tag:blogger.com,1999:blog-74225819162490421392024-03-05T16:19:03.208+01:00El cuaderno de AlpAlp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.comBlogger372125tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-90984297458004939582023-06-07T17:30:00.000+02:002023-06-07T17:30:01.901+02:00Jean Vigo, una promesa truncada<p><b><span style="font-size: medium;"> Por Javier Mateo Hidalgo</span></b></p><p><br /></p><p>Una de las conclusiones que se obtienen al estudiar “Los Cuatrocientos golpes” de Truffaut, es la admiración del director francés por su antecesor y malogrado camarada de cámara Jean Vigo. Sin llegar a vivir treinta años, este director realizó cuatro filmes sin desperdicio y variados tanto en su temática como en su duración. El primero de ellos, “A Propósito de Niza” (1929), filme mudo de finales de los veinte, resulta un documental claramente ideológico donde puede verse la contraposición de estatus sociales entre turistas y demás gente de clase alta con los barrios más pobres de los suburbios. La forma de rodar me recuerda particularmente a los proyectos de reportaje de Val del Omar emprendidos durante la II República española. Sus “Fiestas sagradas y profanas”, eran testimonio del folclore de algunos pueblos de la península y fue una de las tantas actividades incluidas en las Misiones pedagógicas. Con ellas, se trataba de llevar la cultura a los lugares donde resultaba más complicado acceder en esto sentido, y, a la vez, se recogía el testimonio de allí donde se viajaba y se mostraba con una doble intención educativa dirigida tanto a los sectores culturales como a los analfabetos. </p><p>Ya encontramos en este filme de Vigo una propuesta poética en toda regla. Un encadenamiento de imágenes tan perfecto como el interior de un reloj. La idea surgió con motivo de un viaje realizado por Vigo a este lugar para tratar de sanar los problemas de salud que le conducirían a su triste final.</p><p>La segunda aventura cinematográfica la encontramos en “Taris” (1931), un reportaje- ya sonoro- sobre la figura del famoso nadador francés. Un filme acuático, donde la misma poética se encuentra en el cuerpo humano y su falso ecosistema como mamífero. Finalmente, se advierte el ramalazo surrealista cuando el nadador vuelve de la piscina a tierra firme con un rebobinado, para después acabar vestido de calle y salir del plano avanzando sobre el agua. Aquí, la relación directa la establezco inevitablemente con LeniRiefenstahl, pionera de la retransmisión deportiva donde las haya. En sus filmes “Olimpia” o “El triunfo de la voluntad”, destaca también su aportación como narradora con autoría personal. Nadie que haya visto las cintas olvidará esa visión de las olimpiadas históricas griegas, entre columnas y nubes a ras del suelo. Los cuerpos casi desnudos y un tanto ambiguos (tanto en hombres como en mujeres) provocarían las delicias de autores como Winckelman en su particular concepción histórica del arte.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjot4DSb1LXlp7sAh7VfzK3WHmPReC1aOYy1w1F5tKK-g98NcwBckXcaluVyK0e6jxE4p-2-kSH3FZqcIkHqbxipZsoZyhWNHRRD1fgBhVph6w_U2cD2dLhncw_l4mdslUW9-f6c-n9u7GtO0fdJGtj2JWd6Rcx1isYd3ghElHZ5oct_sJXj6szNlo0hw/s1436/Jean_Vigo_Taris-rey-delagua.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1017" data-original-width="1436" height="454" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjot4DSb1LXlp7sAh7VfzK3WHmPReC1aOYy1w1F5tKK-g98NcwBckXcaluVyK0e6jxE4p-2-kSH3FZqcIkHqbxipZsoZyhWNHRRD1fgBhVph6w_U2cD2dLhncw_l4mdslUW9-f6c-n9u7GtO0fdJGtj2JWd6Rcx1isYd3ghElHZ5oct_sJXj6szNlo0hw/w640-h454/Jean_Vigo_Taris-rey-delagua.jpeg" width="640" /></a></div><br />“Cero en conducta” (1933), resulta la primera película de argumento dramático, si así puede catalogarse, de Vigo. En él encontramos aquello que enamoró a Truffaut. La rebelión infantil, la lucha por una anarquía traducida en libertad. Los adultos, aparecen como personajes indefensos, tanto que incluso parecería que se han invertido los papeles. No deja de ser un recuerdo de infancia de su propio autor. No ya lo que pudo haber sucedido sino lo que imaginó en su cabeza. Esta es la única realidad. <p></p><p>Se suceden escenas incluso dadaístas, acordes con la época de vanguardias y a caballo entre el cine mudo y el sonoro: el primer personaje adulto que aparece en el filme, comparte compartimento de tren con dos de los niños que se dirigen a la escuela. Parece dejarles hacer todo tipo de ocurrencias, pues se encuentra como dormido. Finalmente, al detenerse el tren, este personaje caerá como un muñeco al suelo. En otra escena, ya en el colegio, el vigilante de los niños se pone a hacer el pino sobre su mesa mientras realiza un dibujo que después cobrará vida. La imagen del adulto se ridiculizará también poniendo al director de la escuela como a un niño disfrazado, con su estatura y su voz aguda. También, durante el paseo escolar por la ciudad, el encargado se irá por su lado dejando solos a los niños, que le encontrarán en otra calle y le seguirán mientras persigue a una mujer. Otro profesor, este de medicina, parecerá abusar de uno de los niños, de aspecto afeminado. Finalmente, en un día de celebración donde se encuentran todos los representantes de la escuela en el patio, aparecen figurantes realizando incluso ejercicios de contorsión, mientras los que se encuentran sentados en primera fila para observar el espectáculo aparecen representados por monigotes en las sillas de detrás.</p><p>Como un ser incomprensible que a veces no merece de atención, he elegido como representación perfecta la de aquel otro que se parapeta tras un periódico, resultando ausente por su inmovilidad, en la escena en la que dos niños demuestran su vitalidad realizando todo tipo de actividades, encontrándose en la misma habitación que él.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUBf5dEDWlgP7TZdECME9j6wEydMjHJOMphp9v_U6cTGcnTkpkZKTLY3a57jIx9F68dylF3SzWCLStIYpC0iqLxWWmQsZj7gi1kJC1pOUrLhyD6KY6TRRnPYAdPFUM-bsxvoCTxIu08S7wCDtNfhr8nOJ1Jq-JzrOYUP69vMZHaWuyt4Gl-hVm2lWr4w/s750/Jean_Vigo_escena_L%C2%B4Atalante.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="750" height="366" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUBf5dEDWlgP7TZdECME9j6wEydMjHJOMphp9v_U6cTGcnTkpkZKTLY3a57jIx9F68dylF3SzWCLStIYpC0iqLxWWmQsZj7gi1kJC1pOUrLhyD6KY6TRRnPYAdPFUM-bsxvoCTxIu08S7wCDtNfhr8nOJ1Jq-JzrOYUP69vMZHaWuyt4Gl-hVm2lWr4w/w640-h366/Jean_Vigo_escena_L%C2%B4Atalante.jpeg" width="640" /></a></div><p></p><p> Un canto – a fin de cuentas- hacia la infancia, que parece atender a todas sus reivindicaciones, volviéndolas lógicas ante el mundo absurdo de los mayores.</p><p>Por fin, llegamos a L´Atalante (1934) la película que cierra esta tetralogía, por llamarlo de algún modo. Una sencilla historia sobre la vida de los marineros de un barco que lleva por título el nombre del film. El patrón de la embarcación se llevará a su novia (con quien acaba de casarse) con él en sus viajes marítimos. Ella comenzará a sentir hastío por la seriedad de su marido, influenciada por otros personajes como el divertido tío Jules, que le muestra todo un universo fascinante en su camarote. Por ello, decide abandonar el barco durante un día visitando París, de donde volverá desengañada. Las escenas oníricas (y creo yo, eróticas) de los dos enamorados, cada uno en solitario imaginándose acompañado del otro, resultan interesantes. Pero no por ello cabe desmerecer a otras que incluso resultan más mágicas, como la de Jules creyendo hacer funcionar a un disco de vinilo utilizando su dedo como aguja de gramófono. </p><p>Jean Vigo, director en auge que siempre resultará novedoso, se ha ganado la fama de leyenda al morir joven y dejar de legado estas cuatro muestras tan peculiares de cine. No sabemos que películas habría hecho en adelante, ni siquiera si habría renunciado a su intención de hacer un cine tan diferente, al volverse con los años todo tan vulgar. ¿Saben lo que pienso? Que prefiero quedarme con todas esas dudas, alegrarme de todo ese desconocimiento, porque en él se encuentra, creo yo, la mayoría de la parte de ese encanto que siento. </p><p><br /></p><p style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;"> Publicado originalmente en el blog <i>"El efecto fi"</i> (suprimido) el 17 – 9 – 10</span></p>Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-87455650075493564562023-06-07T17:22:00.004+02:002023-06-07T17:22:43.981+02:00Obsesión por "Vértigo"<p><b><span style="font-size: medium;">Por Javier Matero Hidalgo</span></b></p><p><br /></p><p>Si tuviese que realizar anualmente un ranking sobre un número de películas favoritas (pongamos tres), la película de Hitchcock “Vértigo” no bajaría un escalón de su número uno. Que mis gustos y mi criterio vayan variando con el tiempo dan más mérito a esta fidelidad hacia una película que no suele citarse a la hora de hablar del genio del suspense. Está injustamente infravalorada, a mi juicio. Las películas psicológicas deberían de ser las mejores a la hora de interesar al público en la trama. ¿Necesitamos que nuestra expectación se genere justo entre susto y susto? ¿Hoy en día en qué se ha quedado el efectismo como arma de seducción para un público cada vez más exigente? En “Vértigo” se juega precisamente con las apariencias, con ese nunca saber qué es lo que puede estar pasando hasta el final de la obra. Hitchcock juega con el espectador como si de su personaje, Scottie, se tratase. Le vuelve loco, le trastorna, le hace inquietarse como a él. Ese descenso al mundo de la locura es lo que de verdad importa en esta historia. Un proceso largo, pues uno no se vuelve loco de la noche a la mañana. Todo un mecanismo que supera las dos horas de metraje. </p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWTDqOTzP73wEcVoq6W2Z_of7JKBa6biuJDFFsdTpPlAoJ2sJRmn9rSpbF_lm4HjKGfMJEXcWlnwKwhfyTgaHOk5z1YiJr4DmWRBmXDWCBhwieP2Osq63zlD-6tMmOQ_gQjnP3AanJpvF3lNiWKlRaRirRa7pd1QtoHG_tFBoL7vq3HattEfPE4G8VeA/s600/E%CC%81l_Bun%CC%83uel.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="600" height="502" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWTDqOTzP73wEcVoq6W2Z_of7JKBa6biuJDFFsdTpPlAoJ2sJRmn9rSpbF_lm4HjKGfMJEXcWlnwKwhfyTgaHOk5z1YiJr4DmWRBmXDWCBhwieP2Osq63zlD-6tMmOQ_gQjnP3AanJpvF3lNiWKlRaRirRa7pd1QtoHG_tFBoL7vq3HattEfPE4G8VeA/w640-h502/E%CC%81l_Bun%CC%83uel.jpeg" width="640" /></a></div><p><br /></p>Hitchcock dijo sentir verdadera admiración por Luis Buñuel. De hecho, siempre se compara la escena del campanario de “Él” con la de este filme. Un campanario de las Misiones de San Juan Bautista, casi tan mexicano como el del filme del director aragonés. El forcejeo de Stewart en un intento desesperado por conducir al mismo estado a Novak, a hacerla comprender usando la fuerza, resulta casi de un paralelismo atroz para con el otro de Ernesto Alonso. Los celos, en este caso, pueden volvernos locos. Al fin y al cabo, hablamos de obsesiones. Obsesión por una mujer. <p></p><p>El tímido y bonachón Stewart, parece del gusto de directores sádicos que buscan comprometerle para hacerle revolverse contra ese mundo que le oprime. De padre de familia justiciero en “Qué bello es vivir” pasando por sheriff defensor del orden en “Los Malvados de Silver Creek”. En el filme de Hitchcock, puede parecernos incluso indeseable cuando trata de fetichizar a su “mujer fantasma”. Debemos de comprender también, que ya no es él, que anda ya entre esos muertos a los que hace referencia el subtítulo de la película. Vaga tratando de volver cuerda a la locura, porque ya no busca a una mujer sino a “la imagen que tuvo de esa mujer” totalmente artificial. </p><p>Resulta increíble como Hitchcock consigue convertir esas novelas de kiosco y fin de semana en verdaderas potencias en todos los sentidos. ¿Quién sabe si de no ser por él hubiesen pasado sin pena ni gloria por este camino de la historia? </p><p>Ahora me asalta una duda que debo despejar: “¿Qué le pasa a Hitchcock con las mujeres?” Para él seguramente, haya tres tipos: La fatal o perversa, la ingenua o tonta sobre la que caen todas las desgracias y ella las asume con resignación, o la que trata de resarcirse de sus “pecados”, cambiar el rumbo de su vida, sin éxito. </p><p>Tengo otra pregunta: “¿Qué le pasa a Hitchcock con las mujeres y con los bosques?” Tal vez encontremos la respuesta en Freud: La mujer se rodea de falos (los árboles), como le sucede a Novak en “Vértigo” o a Marie-Saint en “Con la muerte en los talones” (North by North West”). Realmente hay por su parte un intento de trasladar toda esta perversión al cine. Hoy en día resultaría indigesto, no podría hacerse (o resultaría una pérdida de tiempo porque nadie se percataría de ello). Él creía verdaderamente en ello, como quien cree en las imágenes subliminales. Volviendo al ejemplo de Marie Saint: en la escena final del filme, cuando por fin ella y Cary Grant consiguen escapar en tren, en el momento en que ambos se besan se observa cómo “penetran” en su vagón por el túnel. De nuevo, esa obsesión por las imágenes del inconsciente.</p><p>Otro ejemplo Freudiano, en este caso con su “interpretación de los sueños”, lo encontramos en la pesadilla que tiene Stewart, donde todo se le mezcla antes de acabar en esa casa de reposo. Son los recuerdos también importantes (como cuando ella piensa en lo que verdad ocurrió en el día del campanario, haciéndonos a nosotros también partícipes) o en el momento en que ella y él se vuelven a reencontrar pareciendo los mismos del pasado, besándose mientras la cámara gira en torno a ellos y vemos como el fondo de la habitación se convierte en otro, en el del establo de San Juan Bautista. No hay un ejemplo de mayor maestría para hilar una historia constantemente creando un constante desengaño en el espectador. “Nada es lo que creías haber visto”. </p><p>“Vértigo” me produce lo que su título propone. Me sigue cautivando, no ha perdido un ápice de aquello que creí ver en su primer pase. </p><p><br /></p><p style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;"><br />Publicado originalmente en el blog <i>El efecto fi</i> (suprimido) el 13 – 9 - 10</span></p>Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-41078904824490403952023-06-07T17:16:00.000+02:002023-06-07T17:16:03.342+02:00Suspense, Jack Clayton, 1961<p><span style="font-size: medium;"><b>Por Javier Matero Hidalgo </b></span></p><p>Lo primero de todo, tengo que pedir perdón por emplear un título incierto para designar a una película que pretendo se conozca en su totalidad. Esto dice muy podo de mi carácter internacional. La traducción empleada aquí en España por la época es bastante ramplona, pues se limita a definir la sensación que se siente durante todo el largometraje, y para nada nos da pistas de un marco que abarca a Henry James (literatura) o a BenjaminBritten (música) y, por qué no, a Ibáñez Serrador en “La muñeca”, auque de influencia más diseminada dentro de su tónica de “Historias para no dormir”. </p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfoEalWXjOMzCWheLlOsrdDXg1Nrl6x_Qj1TriXZk8A9JjIbc5014epREsjob3NNamtw_cgFTJJHveS8pVWPG6lp4Pa3CeLX09QxNDJiv8NffH-UWjPMCeC0V0HCxmsw92y89Y7U0jTNlomfPjpHwtBoSF9qWFyWN6kLoZ6zs7rSt4HI87KyDXRlWlug/s1440/Suspense.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1440" data-original-width="960" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfoEalWXjOMzCWheLlOsrdDXg1Nrl6x_Qj1TriXZk8A9JjIbc5014epREsjob3NNamtw_cgFTJJHveS8pVWPG6lp4Pa3CeLX09QxNDJiv8NffH-UWjPMCeC0V0HCxmsw92y89Y7U0jTNlomfPjpHwtBoSF9qWFyWN6kLoZ6zs7rSt4HI87KyDXRlWlug/w426-h640/Suspense.jpeg" width="426" /></a></div><p></p><p>Para poder hablar de ella, debemos de asumir el papel del director Clayton en su traslado cinematográfico (contando además con la ayuda de capote). Una versión muy especial, de las que no son del gusto de otras mentes más estructuradas en tanto a narración. Sonreímos al recordar comentarios del tipo “a mí las películas que acaban con el protagonista andando por un camino, sin saber qué le pasa al final, no me gustan”. Tampoco podemos decir con seguridad que leyendo el relato original saldremos de dudas. Nada de eso. Podemos enriquecernos en ciertos detalles (a la vez que perder otros que solo son posibles por el medio cinematográfico), eso es todo. La historia puede recordarnos, incluso ante referencias, a “Los otros” de Amenábar. Pero para ser justos con los dos directores, creo que lo único que les une es el componente de mujer adulta al cargo de dos niños. Y, si queremos dar un paso más adelante, el carácter proteccionista de un adulto hacia dos perfectos seres humanos en trámites de desperfeccionarse. El juego psicológico comienza a cobrar efecto cuando este adulto comienza a dar crédito a las situaciones paranormales en las que parecen vivir soñando estos niños al convertirlas en un juego. Un juego macabro, desde luego. </p><p>¿Podemos quejarnos entonces de la libertad de movimientos que se otorga al espectador? ¿Necesitamos todavía ir de la manita, que se nos de todo masticado? Todos nos hemos sentido algunas veces sin dientes ante un determinado plato, pero sería conveniente que aprendiéramos a manejar nosotros mismos la batidora para hacer el puré digestivo. </p><p>Volviendo al “Suspense”: esta forma de crear incertidumbre puede considerarse de las mejor logradas. Su inquietud palpitante mantiene al espectador atraído por ella sin necesidad de trucos de prestidigitador barato. ¿Miedo, terror? Sí, pero no esa sensación de plástico generada por las grandes factorías de ilusiones mercantiles, sino más bien una estructuración mental común a todas las personas. Jugar con esta afinidad sin que podamos buscar para encontrar el truco realizando una introspección. No hay nada más peligroso que lo que no podemos controlar; por ello, navegar en el subconsciente, si se sabe con qué barco, puede salirnos con un final feliz, sin que naufraguemos finalmente en la tormenta. </p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbFp3Ch2lYeB9WF6Yhj-gKrum6bDWVeOQQHHdiYcKOlee_KAdiDvMPyS3rW1QsL1xy3meNc5vXfWlDA4rSovH72dp0MIsNY46xxEQbkU5OMEWaHZddm-EDb6D9uqsQ9JsamxJaIC-FLmMZNCSYg1W-hrVNx0D6ltHNxGsgbiG4yhhIWj0kE7CPujN8Ng/s600/Suspense_3.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="600" height="502" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbFp3Ch2lYeB9WF6Yhj-gKrum6bDWVeOQQHHdiYcKOlee_KAdiDvMPyS3rW1QsL1xy3meNc5vXfWlDA4rSovH72dp0MIsNY46xxEQbkU5OMEWaHZddm-EDb6D9uqsQ9JsamxJaIC-FLmMZNCSYg1W-hrVNx0D6ltHNxGsgbiG4yhhIWj0kE7CPujN8Ng/w640-h502/Suspense_3.jpeg" width="640" /></a></div><br /><p></p><p>Aprovecharse de la inocencia infantil: si lo hacen las personas, es cruel. Si lo hacen los fantasmas (o mejor espíritus, por el miedo a acabar relacionando el término con los de la sábana y las cadenas) resulta demoniaco. Parecen ser el blanco perfecto hasta para las fuerzas paranormales (que no para anormales) de otros mundos. En mi opinión, es muy socorrido y cruel utilizar como blanco este arquetipo. ¿Quién dijo que no hay crueldad en los niños? A veces, más que en los adultos, que acaban derivando más hacia un psique más refinado (esto lo enseñan los años), por encima ya de atar cuerdas a las moscas (esta expresión me encanta). Digamos que de los niños yo me quedaría con el chico, que posee un físico un tanto anómalo. Esto es una baza a favor de lo que se cuenta literariamente, es decir: su apariencia de ser adulto o que se comporta como tal. La relación sexual que puede haber entre el niño y la nurse (Deborah Kerr) ahora resultaría impensable para la actualidad cinematográfica (como en mayor medida, el maltrato animal en las películas de Eisenstein). Esta moral ambigua de “nos” y “sis” excusados banalmente no deja de sorprendernos. Retirando este elemento, el relato no podría representarse de otro modo. “El niño no se comporta con su personalidad, ya no es él cuando actúa así” parece dejarnos mas tranquilos ¿no? </p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEireeFKigDFqNvzdnIvVO2Bi7mtYdsBz5mT60juIYwzIYF5AwrBWkTG10QmfUl76K5INs_Ax-pq5z0pgUqPHHmUdm3GRjP853J7yQ9DjUwFTw8R4e-ZadHReUvSTifwLJCQ49J-X0HQ_ViH5UfVz2wfW-cqjxEI1TejfD1jQJP4XXN6WcIrQJhr9xV6gA/s640/Suspense_2.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="426" data-original-width="640" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEireeFKigDFqNvzdnIvVO2Bi7mtYdsBz5mT60juIYwzIYF5AwrBWkTG10QmfUl76K5INs_Ax-pq5z0pgUqPHHmUdm3GRjP853J7yQ9DjUwFTw8R4e-ZadHReUvSTifwLJCQ49J-X0HQ_ViH5UfVz2wfW-cqjxEI1TejfD1jQJP4XXN6WcIrQJhr9xV6gA/w640-h426/Suspense_2.jpeg" width="640" /></a></div><p>Para finalizar: he elegido esta versión de Clayton porque me parece la más acertada tanto a traslación de un elemento literario. Las versiones de transición de libro a película no siempre son acertadas escogiendo la libre versión. Creo que el director ha comprendido realmente de lo que nos habla Henry James y por ello le ha salido una obra redonda. Otros, con menos suerte o perspicacia, no quedarán en el olvido (pues ahora hay más información por todos los sitios que nos ayuda a recordar) pero claramente seguirán resultando ambiciones menores.</p><br /><br /><p></p><p style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">Publicado originalmente en el blog El efecto fi (suprimido) el 25 – 3 – 10</span></p><div><br /></div>Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-65115983953898425782023-06-07T17:07:00.000+02:002023-06-07T17:07:36.241+02:00Un profeta y Celda 211: La constante caída del caballo<p><span style="font-size: medium;"><b> Por Javier Mateo Hidalgo</b></span></p><p><br /></p><p>Si San Pablo de Tarso tuvo que caerse una vez del caballo para ver la luz de la fe, encontrar sentido a su vida y ver las cosas claras, creo que a estas alturas por mucho que me siga cayendo (de un caballo o de un burro) la mona dejará de vestirse de seda. He tenido la oportunidad de ver en menos de una semana dos películas de género carcelario: “Un profeta” de Jacques Audiard y la reina de los Goya 2010 “Celda 211” (después del otro producto de Telecinco, “Ágora”). Si bien es cierto que la segunda, comparada con la primera, es algo totalmente edulcorado, al menos sí consigue mantener un ritmo de interés. El film francés nos oferta una especie de decálogo sobre “el posible ascenso de un hombre gracias a la cárcel”, extraña paradoja que nos hace pensar. El español es mucho menos pretencioso, pero consigue demostrar que la sencillez es un buen medio para captar la atención del espectador. Por esto mismo afirmo que nunca dejaré de sorprenderme. ¿Cómo puedo caer en algo tan bajo a estas alturas? Lo cierto es que esa “falsa humanidad” de la bondad de los presos frente a los malvados que se pasean por la calle con chaqueta y corbata con una mentalidad mucho más sucia consigue penetrar fácilmente gracias al melodrama (que por otra parte nos advierte de su propia ficción) y esto resulta doblemente peligroso. Audiard también tiene algo de esto, solo que en este caso los personajes pretenden ser más fieles a lo que verdaderamente sucede en los casos reales: una cierta deshumanización donde se pierde el principio original del que termina por corromperse, del que cambia absolutamente su vida por unas circunstancias forzosas (el encarcelamiento). Aquí podemos encontrar de nuevo similitudes, véase el caso de los personajes de Malik El Djebena (interpretado por TaharRahim) y Juan Oliver (Alberto Ammann), trastocados por el propio transcurso de las historias. En el fondo, quizás, la ganadora del premio César nos está hablando de una historia de mafias, a pesar de contar la historia de este musulmán que acaba haciéndose amigo de los corsos. Por eso, una sucesiva tanda de “encargos” por los que ha de pasar el aspirante a mafioso puede acabar por saturarnos. No es necesaria la pormenorización de todas las vicisitudes y, sin embargo, se incluyen hasta la extenuación una tras otra. Incuso los momentos más oníricos son mal transportados a este ambiente, resultando incluso molestos dentro de esta fábula de incorrecta moraleja. </p><p>En cualquiera de los casos, la corrupción acaba volviéndose necesaria, pero la encontramos sin embargo injustificable en los funcionarios de prisiones. Esta idea de estado desvirtuado acaba dando la razón a los que se vuelven “molestos en él” porque no bajan la cabeza ante él, porque saben más como cocineros que como frailes.</p><p>A pesar de un guión mucho más primitivo, la “Celda” consigue de mí lo que la sofisticación del profeta debería de llevar en sus ventajas de calidad (y no olvidemos que el guionista es vasco y algo debería de arrastrar de nuestro atraso). Por eso digo que no dejo de sorprenderme. En una conseguí desconectarme de la historia, mientras que en la otra ni siquiera me planteé sin estaba o no conectado.</p><p>Ninguna de las dos historias me informó de nada extraordinario, pero tampoco lo buscaba. Sabía a lo que iba. Una especie de estudio desde una tarea inventada y nunca impuesta. Una especie de negociador, por decirlo de alguna forma, que traspasa un umbral con pie firme, sabiendo al juego al que se enfrenta. No dejándose engatusar por este “oro y el moro” que acabó siendo del que cagó el mismo señor otras tantas veces. </p><p>De Daniel Monzón poco puedo decir. Un director en cuyo currículum se encuentran obras como “El robo más grande jamás contado” y críticas de dudoso gusto (como aquellas que utilizó para ensañarse contra películas como “El detective y la muerte”- película, a mi juicio, de mayores aspiraciones cinematográficas que las que él plantea en historias como “El corazón del guerrero”). De Audiard podemos incluir aquello de que “de casta le viene al galgo”, por lo de la excelente labor que su padre (Michel Audiard) desempeñó como guionista. Creo que las comparaciones son odiosas, por eso me limito a no engrosar más mi lista (negra o blanca, depende del ojo con que se mire) y dejar claro lo de que “las opiniones vertidas…” sigan al menos en la línea en la que he decidido mantenerme. </p><p><br /></p><p style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">Publicado en el blog <i>El efecto fi</i> (suprimido) el 6 – 3 – 10</span></p>Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-82737240524245938552023-06-07T16:59:00.000+02:002023-06-07T16:59:27.824+02:00Perros de Paja (Straw Dogs), Sam Peckinpah , 1971<p><b><span style="font-size: medium;">Por Javier Matero Hidalgo </span></b></p><p><br /></p><p>Si Garci consideraba su “Luz de domingo” un western asturiano, bien podríamos atrevernos a asegurar que la modernización de un género tal solo podría venir de manos de aquel que bien lo conoció y supo aprovechar sus últimas bocanadas, estertores o coletazos: Peckinpah.</p><p>El personaje que encarna este Dustin Hoffman de primera comunión, es un David Summer totalmente descontextualizado, traicionado en este entorno hostil hasta por su pareja sentimental, Amy, una Susan George deslumbrante y cegadora, desconcertante para la pérdida de los cinco sentidos (comunes). Este estudiante matemático se enfrenta a estas fuerzas irracionales, hechas de tripas y whisky. Quizá su comportamiento llegue a escamarnos, nos enerve hasta límites insospechados. Justamente la coherencia nos resulta antipática, democráticamente insoportable en esta pequeña villa londinense. </p><p>Lo cierto es que Strawdogs resulta completamente hostil para los malacostumbrados que pre<br />cisan de cintas-transición como “El valle de la violencia”, “Los malvados de SilverCreeck” o la misma “Grupo Salvaje” del propio director. Esa violencia que nada intimida, que se convierte en mecánica de acción edulcorada: esos valientes que mueren con las botas puestas, que se cuentan por miles (tantos como los que caen en una batalla totalmente despersonificada, donde lo que habla es la masa de indios y vaqueros). Aquí no, aquí en este grupo de cinco perros de paja, los rasgos de estos cinco rostros son perfectamente descriptibles. Aquellos que engañan a un solo hombre, aquellos que no son por tanto, tantos aguerridos luchadores. Los que se enfrentan contra uno, resultan más creíbles que los quinientos contra el mismo contrincante (por mucho que el atrevido retador conozca de la filosofía oriental y sea capaz de dominar con su cuerpo tantas fuerzas opuestas que sobre él se ciernen). </p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8am9KbR_AXwJ3J1Pgttc2S3-Ezlbw_KPtcb4T7U4bzVpt_wefAERUJav7O7qRN6TRM3p4AcdkWBURZPwrQ7bndiAUm8IMxKnvcPiJntNr3iKLBd1d33yPpQHJy-uQJX-YfVDh__JDqD_jGRt5MI03tJ3S8ZzEx0TXD_YDGLUDBQYfSJorKqAPaOQ6wQ/s1850/Perros_de_paja_2.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="896" data-original-width="1850" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8am9KbR_AXwJ3J1Pgttc2S3-Ezlbw_KPtcb4T7U4bzVpt_wefAERUJav7O7qRN6TRM3p4AcdkWBURZPwrQ7bndiAUm8IMxKnvcPiJntNr3iKLBd1d33yPpQHJy-uQJX-YfVDh__JDqD_jGRt5MI03tJ3S8ZzEx0TXD_YDGLUDBQYfSJorKqAPaOQ6wQ/w640-h310/Perros_de_paja_2.webp" width="640" /></a></div><p></p><p>El valiente vaquero, o, al menos, el parsimonioso personaje, hace uso de la típica frase: “Prepárame café”. Cuando debe enfrentarse a una empresa, lo único que sale de su experimentada boca es la orden educada de tomar cafeína (fenomenal para controlar los nervios, todo sea dicho de paso). Bueno, creo que este comentario es injusto ¡pero es que me retrotrae a tantas películas…! Es, no sé, como una voz unificadora de tantos dobladores que uno recuerda y que desearía volver a escuchar… A veces, para mantener vivo el recuerdo, tengo el capricho de ver una película doblada para capturar de nuevo la misma sensación que de niño sentí… la obra completa (tal como yo la concebía).</p><p>Verdaderamente, volviendo a lo anterior, es esta estoicidad digna de algunos especímenes (dicho con cariño) de la vida real. La hija de mi tío, cuando pequeña, le preguntaba como duda ante este personaje a resolver: “Papá ¿este señor es tonto?” </p><p>Bueno, finalmente no es tanta la tontería tonta junta. Sin embargo, así como aparece en un primer momento un personaje femenino infantil, provocador, vamos observando a lo largo de su historia cómo este descubre que a veces, los juegos, en la edad adulta, son bastante peligrosos. Sigue resultando, aún así, un personaje imán de odios para los espectadores. Es la perdición, junto a aquella casa de campo en las afueras y aquel personaje grandullón y atontolinado, del protagonista. </p><p>Respecto a los ingenios técnicos, cabe destacar el montaje machacador en la psicología de la muchacha profanada. Eso de la violencia directa y explícita, no lo lleva bien el director. En lugar de la salsa de Ketchup, opta más bien por narices de sátiro, risas indigestas y reducción del campo de seguridad. Los juegos crueles de los “amenazadores invitados a sueldo” también ayudan a esta angustia que, con mayores o menores pasos, va acrecentándose en intuitivos avisos de lo que puede que suceda. </p><p>Peckimpah, en todos los sentidos, es una bestia cinematográfica, y los demás, presas fáciles.</p><p><br /></p><p style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;">Publicado originalmente en blog <i>El efecto fi</i> (suprimido) el 3 – 3 – 10</span></p>Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-79138127360710783132023-06-07T16:50:00.001+02:002023-06-07T17:00:03.392+02:00Todos somos necesarios. José Antonio Nieves Conde, 1956<p><span style="font-size: medium;"><b>Por Javier Mateo Hidalgo</b></span></p><p><span style="font-size: medium;"><b><br /></b></span></p><p>El título de esta película es esclarecedor para una información previa en el espectador. La importancia de la nominación en cine puede serlo en mayor o en menor medida, con más o con menos ojo, con intención poética siempre. Así por ejemplo, titular fácilmente por el tema una obra puede suceder en ciertos casos. Por ejemplo: “El milagro de Fátima” o “Don Quijote de la Mancha”. Sin embargo, puede emplearse para la misma tarea un análisis de otro tipo, véase “El loco del pelo rojo” por Van Gogh o “Esmeralda la Zíngara” para El Jorobado de Notre Dame. Un caso que efectivamente se ha dado por partida doble es el de “Cielo sobre el pantano” para el mismo tema que la película “Santa María Goretti”. No quiero explayarme mucho más, tan solo dar importancia a algo que nos introduce o no en el cine en muchos casos. </p><p>Después de “Surcos”, Nieves Conde ataja de nuevo un problema creado por la sociedad en los hombres. La primera imagen (acompañando a los títulos” de un río de presos atravesando un pasillo carcelario ilustra bastante bien el tema. Las siluetas en negro de los condenados, de los que llevarán siempre esta otra nominación dentro y fuera de la penitenciería, después de haber pagado ya sus culpas. En esto se muestra a la sociedad de aquel tiempo siempre con escepticismo. Allí están todos los que, con mayor o menor suerte, se han librado de encerrarse en rejas. Siempre existe ese prejuicio malsano de los que aprenden en los libros lo que no se enseña en las bibliotecas (siendo más exactos, en las escuelas). Ese tatuaje que llevan los personajes del cuento de Kafka y que es recordado por esas monstruosas máquinas despellejadoras. Vamos a comenzar por aquí, por los personajes en masa:</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoIGvYrMlowbilmQVNLp6kCD8vAAK1dhL-eykX5wID-dk9bx5ZpWkmR6wQx8mUqnIEzwOkYwPtB43E7XGF2wLb-gd3OpoCiz9v3XdK2C-PDzMuqtl6y4RSlPEuG9w07DbXxQQpEhJ6CHJOSw_zXeHSKg-8gNTLj_jUJPCfqACfk6jasQgaZnsBj4PxwQ/s1924/Todos_somos_necesarios_1.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1924" data-original-width="1280" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoIGvYrMlowbilmQVNLp6kCD8vAAK1dhL-eykX5wID-dk9bx5ZpWkmR6wQx8mUqnIEzwOkYwPtB43E7XGF2wLb-gd3OpoCiz9v3XdK2C-PDzMuqtl6y4RSlPEuG9w07DbXxQQpEhJ6CHJOSw_zXeHSKg-8gNTLj_jUJPCfqACfk6jasQgaZnsBj4PxwQ/w426-h640/Todos_somos_necesarios_1.jpeg" width="426" /></a></div><br /><p><br /></p><p>Los viajeros de aquel tren que se metamorfosea en juguete de vez en cuando (lo de “todos somos necesarios” desde luego no debería afectar a los encargados de maquetas) parecen estar corriendo la misma suerte que la de los protagonistas dejaron atrás: sin comerlo ni beberlo, se encuentran encerrados, atrapados, en este caso por el temporal de nieve. Aquí no hay teoría que valga, pues la gente no se transforma ni en este tipo de circunstancias: un niño cae enfermo y debe de ser intervenido de urgencia. El cirujano en la sala es uno de estos condenados, Alberto Closas. La multitud parece, por un momento, ablandarse (y permítaseme el fácil juego) con este bisturí de almas. No tardara la cosa en desmentirse, pues en cuanto se vuelve a saber que una cartera ha desaparecido, se vuelve al mismo camino: “Esta gente, por mucho que pase por la universidad…” Aquello se hacía de esperar, pues sucede otro comentario inoportuno antes de este cambio de actitud general que dice: “pues al final no van a ser estos tan malos…” El caso está claro en el padre de la criatura, un “capitalista” que va solo a por el dinero y que nada le importa su familia (tan solo cortejar a la secretaria, que va también en el viaje). Esta cierta doctrina del régimen que, por sus mismos ideales, se permitía atacar al capital y a su vez atacar al comunismo, resulta un tanto curiosa. Como bien quedó claro en “Surcos”, el capital se persigue porque es lo que seduce a los habitantes de los pueblos para abandonar su lugar, su “tradición”.</p><p>No solo la cárcel les persigue sino la propia moral como individuos, que les acaba pesando psicológicamente, les describe como inútiles para lo que servían. Closas, por ejemplo, es un cirujano que ha sido encarcelado por una demanda interpuesta por la familia del último paciente que no puedo salvar. “Sabía que había un noventa por ciento de posibilidades de fracaso en la operación…” se lamentaba. Necesitaba, por tanto, superar esa barrera que le sugestionaba, que le hacía pensar que había fracasado como cirujano. Desde luego, ya no hay criminales tan caballerosos y elegantes como el señor Closas (así como un culpable tan bien avenido como en “Muerte de un Ciclista”). </p><p>Destacar también a FolcoLully, un actor que tenía yo ya en mi memoria por su papel protagonista en “El hereje”. Su aspecto rudo le condenó en este caso a ser este ateo de mal vestir y descuidado en formas (el prototipo de hereje, vamos- nótese la ironía). Sin embargo, hay una bondad siempre que deslumbra desde la primera escena, que escapa de la pantalla al espectador (automáticamente enemistándolo con los personajes ya mencionados del tren que no consiguen ver más allá del maniqueísmo cinematográfico). Su origen real como actor y su otro origen creado hacen de él un italo-vasco muy curioso. Del otro pobre diablo (el que sufre una crisis en su matrimonio) poco me cabe decir en referencia a sus dos compañeros. Realmente pasa casi inadvertido, en la línea del cura que con sus mejores propósitos se ofrece para operar al improvisado paciente (y eso que son “protagonistas secundarios”). </p><p>Nieves Conde pasó, con este tipo de propuestas, de ser considerado un director oficial (con filmes como “Balarrasa”- de 1950) a un realizador difícil. Con “El inquilino” (1958) sufrió primero la prohibición y después el permiso con numerosos cambios y cortes. Más adelante, comenzó ya el declive para el público (verdadero juez sin causa).</p><p>Lo cierto es que ahora no se justifica la excesiva dureza impartida por la ley pero tampoco de ningún modo una mayor atención por delante de las propias víctimas. Es una reflexión que deberíamos constantemente de plantear, pues esta balanza de la “Lex” cuida la venda pero pierde a veces el pulso con los platillos al tratar de nivelar excesivamente. No olvidemos que tanto el cine como la crítica están hechos de una época. Tómese como un granito de arena, nunca como una china en el zapato.</p><p style="text-align: right;"><span style="font-size: x-small;"><b>Publicado en el blog <i>El efecto fi</i> (suprimido) el 26 – 2 - 2010 </b></span></p>Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-74189564833394408472021-11-13T21:08:00.000+01:002021-11-13T21:08:19.191+01:00El orfanato, Juan Antonio Bayona, 2007Es reconfortante que lo<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgemhUSFt6zKjlPPDjM3zWRrQ4SvGdn5zbn7MpqiwSYjZA5CeQlXxdTHey9z_L2T2GmWkoY9a2PjXFtHAj_GfErq6lLqOrlXn9TpyEeu7vtRVKMCh0Lhq261zo16CN0y_hzRgD-gr_YUoG_/s1600-h/orfan.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5142736280534504498" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgemhUSFt6zKjlPPDjM3zWRrQ4SvGdn5zbn7MpqiwSYjZA5CeQlXxdTHey9z_L2T2GmWkoY9a2PjXFtHAj_GfErq6lLqOrlXn9TpyEeu7vtRVKMCh0Lhq261zo16CN0y_hzRgD-gr_YUoG_/s320/orfan.jpg" border="0" /></a>s productos cinematográficos españoles apuesten por generar dinero en los ámbitos naturales de su “utilidad social” y no en los círculos de la endogamia parasitaria. Sólo por ello El orfanato merece un caluroso aplauso. La película nos mantiene clavados en la pantalla desde el primer fotograma hasta el último.
Lo mejor: la producción, mediante fórmulas de probado éxito. Si no me equivoco, teniendo en cuenta lo que costó producirla, acaso se recuerde dentro de unos años como la película más rentable de la historia del cine español. El magistral lanzamiento publicitario completa la homologación de “nuestra industria” en un contexto de feroz competitividad. Es sabida la relación directa que existe entre inversión publicitaria y recaudación.
La historia, supeditada a una línea argumental sencilla (el amor materno-filial), recuerda muchas películas anteriores y, en especial, algunas muy recientes (Los otros), que, a su vez, nos remiten a aquella inolvidable de J. Clayton (The Innocents, 1961); el desenlace compone “estilo” con El laberinto de el fauno y, en general, con los repertorios iconográficos de Guillermo del Toro, por lo general, escasamente desarrollados en la faceta simbólica; sería absurdo buscar en El orfanato referencias a los universos míticos o mágicos del lugar en que se desarrolla la historia. El equipo de realización perdió una magnífica oportunidad por ese camino. Entiendo que por ahí se encuentra la parte más débil de la película: un guión que, cargado de concesiones populistas (psicofonías) y comparado con The Innocents, refuerza la añoranza por aquellas películas preñadas de sugerencias complejas e interesantes: Aún persiste en mi memoria la imagen del niño “perverso” intentando seducir al personaje interpretado por Deborah Kerr. Sí, ya sé que son odiosas las comparaciones, pero en ellas descansa una parte importante de la argumentación crítica y, francamente, creo que sería buena idea que el cine se esforzara por esa línea… aunque no se pueda resucitar a Truman Capote.
Asimismo, también flojea en otros aspectos de la vinculación al terruño: apenas se han aprovechado las posibilidades espectaculares del paisaje asturiano. Es obvio que no se cuidó demasiado la “localización”.
Algunos cronistas han enfatizado la interpretación… Entiendo que es difícil substanciar una buena interpretación cuando el guión es tan homogéneo. No obstante, frente a lo que, por desgracia, suele ser habitual en el cine español, en El orfanato no aprecio carencia interpretativa alguna; hasta los niños entonan en el ambiente general, dominado por la personalidad de Belén Rueda.
La fotografía, muy condicionada por la escasez de iluminación, sobre la que se hace descansar gran parte de la tensión narrativa, no se puede decir que sea brillante, pero sí correcta. Es casi una película en Blanco y Negro, en la que se han despreciado las posibilidades de una imagen más ambiciosa… En la misma línea también son obvias las carencias en la dirección artística.
Los recursos que determinan el ritmo narrativo han sido utilizados con agilidad: es destacable el movimiento de la cámara, así como los “efectos” consagrados por el uso en este tipo de obras (insertos sonoros de sobresalto, destellos, congelaciones puntuales del ritmo narrativo, etc.). Por último, es de agradecer la mesura en el uso de las fórmulas “expresivas” inquietantes (máscaras de los niños, niños de rasgos anómalos, rostro monstruoso de la cuidadora después del accidente, etc.).
En definitiva, aunque quepa esperar poco entusiasmo de la Academia norteamericana, es una película que me ha recordado mucho ‘Tesis’… Como primera obra, me parece excepcional, incluso contando con que Guillermo del Toro haya participado más de lo que conviene al decoro profesional.Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-11843636647828723362016-03-06T10:47:00.002+01:002016-03-06T10:47:34.615+01:00¿Inspiración o copia?<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Lo propone David:</div>
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-4015687528823642752016-03-01T18:25:00.000+01:002016-03-01T18:25:02.935+01:00Mad Max, efectos especiales<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-51105799582015462752016-03-01T17:22:00.000+01:002016-03-01T17:22:06.114+01:00Revenant y Tarkovsky<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-46204013865597147782015-03-03T19:03:00.000+01:002015-03-03T19:03:22.736+01:00Kogonada<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Lo PROPONE Víctor:<br />
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<a href="https://vimeo.com/113545101">Criterio Diseños</a> de <a href="https://vimeo.com/criterioncollection">Criterion Collection</a> en <a href="https://vimeo.com/">Vimeo</a> .</div>
Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-39808750323841050692015-02-11T17:44:00.000+01:002015-02-11T17:44:25.223+01:00Whiplash. Quiero ser como Buddy Rich<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-size: large;">Por Vice</span><div>
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Una de las revelaciones del cine independiente del 2014, con Damien Chazelle en la dirección de su segundo film. Ha cosechado premios y menciones a su paso por varios festivales. Arrolladora visualmente, visceral y directa. Creada con un presupuesto heroico y alzándose como una de las propuestas cinematográficas más importantes de este año. Con una premisa nada deslumbrante, como es la de contar el aprendizaje de un batería de jazz.</div>
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Pero no ha estado libre de duras críticas, algunas provenientes del mundo del jazz, por no mostrarlo de manera más amable y en parte están en lo cierto. Presenta la cara más desagradable del jazz, la de la práctica de los jazz standards hasta agotar su brillo. Tampoco lo muestra con ninguna chispa de fusión y contiene una ausencia total de improvisaciones, en definitiva encontramos pocos atisbos de creatividad musical.</div>
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En lugar de esto lo que mueve el relato de Whiplash es la glorificación de la interpretación y la técnica. Aunque no sea justo para el género musical como escaparate, es necesario para concentrar todo el eje de la historia y el argumento sobre esa obsesión. Es un sorprendente ejercicio de contención por parte de Chazelle, reduciendo su experiencia como amante del jazz y su carrera frustrada como batería profesional a tan pocos elementos.</div>
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También es gracias a esta renuncia por convertirse en un catálogo de la historia del jazz, lo que le lleva a aprovechar sus recursos expresivos y sus personajes al límite de sus consecuencias. Desde el principio la música es solo el vehículo, poco a poco te vas dando cuenta de que la vida del protagonista, Andrew, no ha sido más que un propicio campo de cultivo para desarrollar una obsesión compulsiva. Por la que dar la vida y otorgarle un sentido, cuando conoce a su profesor tiene el detonante necesario. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuv6ZaZvKK7WTcgxV7Oo_Mr4eIWX063QcOL1hfePj1DJ1jCqXgExhar-YU_yG_ZK8AFLcg9ocYGSQnqCLRzUHUP4MaIz-moAkvThvC2E48BfTSjPAP3sQ45mWnnsz34AR6goEdeOxRXc8w/s1600/tumblr_nij6soqGyR1u3lb1ko2_r1_1280.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuv6ZaZvKK7WTcgxV7Oo_Mr4eIWX063QcOL1hfePj1DJ1jCqXgExhar-YU_yG_ZK8AFLcg9ocYGSQnqCLRzUHUP4MaIz-moAkvThvC2E48BfTSjPAP3sQ45mWnnsz34AR6goEdeOxRXc8w/s1600/tumblr_nij6soqGyR1u3lb1ko2_r1_1280.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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Desde que J.K. Simmons inunda el aula con su fuerza de atracción, como si de un pequeño cosmos se tratase, sus alumnos intentan orbitar alrededor de su carácter con cierta prudencia para no llegar a quemarse ni quedarse fuera de la banda. Andrew (Milles Teller) destaca sobre el resto porque no le importa quemarse y acabar consigo mismo, si con ello puede seguirle el compás a su profesor. Nos vemos inmersos en un constante pulso donde la tensión no baja. El frenético montaje ayuda a que el ritmo no cesé, movido por el magnético conflicto entre ambos. Tanto a la narración como a su protagonista, no le importa sacrificar líneas de diálogo en las relaciones familiares o sentimentales, realmente toda la energía se queda en la batería y las clases, mientras que sus relaciones se tornan frías y distantes. Esto es debido al compromiso creciente que le impone el profesor, lo único que puede ver en su horizonte. En todo el metraje no hay ningún momento en el que nos podamos esconder de su particular examen.</div>
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¿Pero es justo criticarla por todo ello? Si consigue ser tan potente es porque su relato es sobre ambición y ansiedad, una crónica de autodestrucción, con lo que se puede decir que está libre de hacer a apología de todo aquello que presenta. Va directamente a la manida cuestión de si el fin justifica los medios, o la falsa resignación al trabajo duro y sacrificio como camino a la autorrealización. Para entrar en ella hay que aceptar sus reglas, en algunos puntos llega a abusar del uso de sangre, sudor y lágrimas. Y muchas de las situaciones de ambos sujetos caen a menudo en la hipérbole. Para quien busque algo más fidedigno o documental acerca de vivir del jazz, no atragantándose en él, si no respirándolo, siempre tendrá la imprescindible serie de David Simon, Treme. Por encima de su exageración, Whiplash consigue crear secuencias memorables, como la lucha entre los baterías aspirantes por interpretar la versión de Caravan de Art Blakey, y la desbordante muestra de talento en la dirección al representar la interpretación final.</div>
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La anécdota del enfrentamiento entre Jo Jones y Charlie Parker, ha sido convenientemente reinterpretada. Realmente a Jones no se le ocurrió tirarle un platillo a Parker a la cabeza, se conformó con tirarlo en señal de amenaza contra el suelo. De esta manera se entiende mejor como funciona esa historia quirúrgicamente en la trama. Toda una excusa para el profesor, lo que encaja muy bien con su amplia personalidad manipuladora.</div>
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Porque no todo es perfección técnica, y por mucho que Buddy Rich siempre lograra deslumbrar por su desmedida velocidad. Consiguiendo hacer que todos los flashes se alejarán de Art Blakey cuando compartían escenario. Si preguntas en una escuela de jazz a un batería acerca de quién es su mayor influencia, la elección favorita será el segundo por su colección de discos memorables, en contra de los solos del primero. Del mismo modo que tampoco está claro que Charlie Parker desafinara en ese concierto, es más que probable que su único error fuera improvisar demasiado o experimentar con claves más inusuales de lo debido. Lo que hacía que estos monstruos del jazz trascendieran, es que no se conformaron con interpretar magistralmente. Tenían que romper y empujar los límites del lenguaje musical. De esta misma manera Whiplash no se conforma con ser un relato motivacional complaciente, ni una oda al trabajo duro como aseveran algunas de sus críticas. Trasciende el género de las historias de superación personal cuestionando la validez del éxito, y mostrando que el coste personal y mental puede que no compense, ni sea un camino fácilmente reversible.</div>
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-74688249975211218632015-02-11T17:42:00.002+01:002015-02-11T17:42:40.684+01:00Carrera ideológica hacia el Oscar<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-size: large;">Por Vice</span><br />
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Oscarsowhite fue el trending topic más sonado que dejaron a su paso las nominaciones de los Oscar 2015. Esos premios que todo el mundo asegura ignorar hasta que llegan, y cuando lo hacen no dejan contento a nadie. A esta marea de reclamación igualitaria se sumaron muchos nombres, los primeros de relevancia fueron Spike Lee y George Lucas. Alejados últimamente de los focos de atención, no es difícil ver oportunismo en su suma a esta causa.<br />
Todo ello por ser la primera gala desde el 98 sin representación de un actor negro. Y sobre todo por la película que supuestamente ha salido más perjudicada, Selma el biopic de Martin Luther King, género predilecto de los Oscar. Al contrario de lo que pueda parecer por la avalancha de quejas por obviarla, sí que ha tenido una mención importante, nada menos que una nominación a mejor película.<br />
Con las heridas del conflicto racial estadounidense muy abiertas, por los recientes abusos de la policía estadounidense en Ferguson y el asesinato de Michael Brown, la discusión no podía llegar en un momento más candente. Ahora bien, a nadie se le escapa que hace tan solo un año, 12 años de esclavitud se alzó con la estatuilla de mejor película y Steve McQueen con la de mejor director. Esta obviedad hace que el argumento de un acusado racismo se caiga por su propio peso. Sin embargo el actor principal de Selma, David Oleyowo reavivó la polémica, asegurando que todo esto se debía que a los negros se les prefería como esclavos y no como líderes.<br />
Pensar que todo se debe a una simple cuestión racismo instintivo en los votantes es simplificar las cosas insultando a la inteligencia de la audiencia. Usando un tema muy delicado, como arma arrojadiza en favor de la promoción de Selma. Pero si ampliamos el enfoque quizás este tipo de debates nos ayuden a preguntarnos quienes son los realizadores y distribuidores detrás de lo que vemos en pantalla, sus intereses y motivaciones.<br />
Con el Hashtag se abrió la veda a otras quejas como la de género. Al caer en la cuenta de la ausencia de nominaciones para Selma también se hizo en la falta de representación de su directora, Ava DuVernay. Lo que ha propiciado que también se ponga de relieve el hecho, de que ha habido una falta de menciones individuales a mujeres en esta edición respecto a otras. Y de la alarmante falta de diversidad resultante si juntamos las dos cuestiones.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXt16Ei4gPVB2EObPdKIAjMQsJTfIHw87xRqv84NkaDjDXoEVjNeichEt2GvBltY5IPD_MFjx_GR-_-ShsSczxrbCTRwOTb0s4TyO9AzKKzkOmuxw7-kfBLXZIOwnZB4GHTrKaiqdaulRM/s1600/Selma+Movie+(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXt16Ei4gPVB2EObPdKIAjMQsJTfIHw87xRqv84NkaDjDXoEVjNeichEt2GvBltY5IPD_MFjx_GR-_-ShsSczxrbCTRwOTb0s4TyO9AzKKzkOmuxw7-kfBLXZIOwnZB4GHTrKaiqdaulRM/s1600/Selma+Movie+(2).jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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Pero si hay muchas minorías sin representación, no sé puede culpar de ello solo a la academia. El problema debe estar en los mecanismos que hacen falta para llegar a producir y distribuir cine, y como algunos colectivos lo tienen muy difícil para superar esas barreras. Si a esto le añadimos el triunfo en taquilla, y reconocimiento por parte de la academia de El Francotirador. Film de Clint Eastwood que parte de la biografía de Chris Kyle, que tiene el dudoso honor de ser el francotirador más mortífero de la historia estadounidense y con el conflicto de Irak como su escenario. Es difícil pasar por alto sus tintes fascistas que ya estaban presentes en el material biográfico, en las antípodas ideológicas de Selma.<br />
El gran problema que muchos vemos en estos premios es que tienen tanta notoriedad, que acaban produciendo películas diseñadas para ellos. Muchas se lo juegan todo a la carta de la biografía, respaldada por una épica interpretación como mejor opción para pugnar en la carrera por el Oscar. La consecuencia es que no ser mencionado por ellos se interpreta como un fracaso, como paso con J. Edgar también dirigida por Eastwood. Esta pretensión está muy vacía, cuando solo hay hueco para un puñado de propuestas y son premios históricamente conocidos por haber dejado fuera a numerosas obras maestras.<br />
Esperar que las minorías más relevantes como la racial y la de género se arreglen maquillándolas con premios, es querer falsear unos resultados. ¿Todo esto es fruto de la exageración? ¿O de los intereses contrapuestos de ambos filmes? Por ahora en España tendremos que esperar a que lleguen a nuestras salas para decidirlo. En el caso de Selma en marzo y El francotirador el 20 de febrero. </div>
Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-77718338713541632742015-01-24T01:00:00.000+01:002015-01-24T01:00:37.313+01:00Big Eyes<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-size: large;">Por Isabar</span><br />
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Película dirigida por Tim Burton, basada en la historia real del pintor Walter Keane, y su mujer y verdadera pintora Margaret Keane. Estas pinturas triunfaron en los años 50 y principios de los 60, caracterizándose por los grandes ojos de todos los niños representados. Margaret Keane siempre inspiró a Tim Burton en su creatividad y tras todo este tiempo se ha decidido a recrear su drama en esta película.<br />
Antes de ir a ver la película, yo ya conocía la historia y ya me encantaban las pinturas, y me ha parecido que el guion ha contado muy fielmente la historia y que la interpretación de los actores para representar este drama, un tema tan mítico en el mundo del arte; el plagio y la suplantación, han sido muy buenas. Especialmente la actuación de Amy Adams como Margaret Keane, quién como detalle de la película aparece de fondo en una escena tras la actriz.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf8ftCd3pB9AlXybyeQC9ZKrOvWQE-14t0Uj2bYvzVsC7eD2GxWtiqTSKF3sBNLfbigc6cIvsQSvCeMXFkE99akraKmDwyqwMEDsbXwUfG4udvfNV1Gsk3GtDol7nHGaz6fpzXBxPuDdNW/s1600/margaretkeane.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf8ftCd3pB9AlXybyeQC9ZKrOvWQE-14t0Uj2bYvzVsC7eD2GxWtiqTSKF3sBNLfbigc6cIvsQSvCeMXFkE99akraKmDwyqwMEDsbXwUfG4udvfNV1Gsk3GtDol7nHGaz6fpzXBxPuDdNW/s1600/margaretkeane.png" /></a></div>
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Sin querer destripar la película, comentaré que Margaret Keane es una mujer con un gran talento que cometió grandes errores en su vida con los hombres, dejando que su segundo marido Walter Keane se apropiara de sus obras, con la justificación de que no se vendería el arte de una mujer.<br />
En la película por tanto, podemos ver diferentes temas importantes en la sociedad y en el arte que tienen una profunda relación entre todos ellos: el machismo en el arte y en el matrimonio, la competencia en el arte, el auge del arte moderno desde el punto de vista popular y comercial, la gran amplitud del arte moderno y los críticos decidiendo qué es arte y qué no, el avance del papel de la mujer en la sociedad y como artista, y la revolución del negocio del arte, como cuando Walter Keane piensa en la venta de láminas en vez de lienzos… entre muchos más temas, creo que destacarían estos sobre todo. Y como tema moral vemos en Margaret, la conciencia humana ante las mentiras y los fraudes. Cuando terminas de ver la película, conocieras la historia de antes o no, no te queda duda de lo perturbado que estaba el señor Walter Keane y lo cohibida y bloqueada que podía sentirse una mujer en esa época como Margaret.<br />
La película trata de mostrar cómo se inició todo esto, como llego Margaret a esa situación, cuál fue la primera vez que su marido fingió ser el artista de su obra, por qué ella lo permitió, y cómo fue su vida realmente. Un historia que precisamente parece de película pero que es completamente real. Ahora mismo está claro que Margaret no debió permitir que ocurriera esto ni una sola vez, pero seguro que no se ve tan fácil en los años 50, en la piel de una mujer separada y con una hija que mantener (y precisamente es su hija la que muchas veces refuerza su conciencia ante el fraude).<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbfscAB_Lq8BiIcHGZCSvIPbEU9Rlnwj9-zHdlfzkoxaFIw-QXxwFwaRaiKoqRlaJxOYTDAQQdPDbbpKIQD6yUoWJObGC-HQOQ-4fwRSEv12z-w5ekgb0ietNyyuzApvM7m_G3Yjb4nsUh/s1600/bigeyes2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbfscAB_Lq8BiIcHGZCSvIPbEU9Rlnwj9-zHdlfzkoxaFIw-QXxwFwaRaiKoqRlaJxOYTDAQQdPDbbpKIQD6yUoWJObGC-HQOQ-4fwRSEv12z-w5ekgb0ietNyyuzApvM7m_G3Yjb4nsUh/s1600/bigeyes2.jpg" height="448" width="640" /></a></div>
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La sociedad estaba cambiando pero la mujer seguía muy por debajo del hombre en mil papeles y uno de estos era el arte. Las galerías de San Francisco estaban repletas de arte moderno y el arte se acercaba cada vez más a la cultura popular. Con esto entra en relación el debate de si la obra de Margaret es arte o no. Porque el éxito fue innegable, pero en la película reflejan bien como tuvieron que enfrentar a críticos que hoy en día dirían claramente que se trataba de ilustraciones y no de piezas de arte moderno. Yo me pregunto si se la consideró pintora simplemente porque trataba el óleo y pintaba sobre lienzos, en vez de dibujar con una tableta digital como muy probablemente habría experimentado si se hubiera iniciado a dibujar Margaret hoy en día.Y por ello me pregunto si ser ilustrador no vale lo mismo que ser artista, todavía hoy en día.<br />
Porque si los verdaderos artistas no son capaces de definir de forma clara y sencilla qué es el arte o qué es su obra, creo que no es tan verdadero o rotundo tampoco el testimonio de un crítico (al menos eso pienso ahora en este momento de mi vida). Creo que el arte es un concepto demasiado grande y que no para de crecer más y más rápido en nuestros días como para decir que cierta obra sencillamente no lo es. Hoy en día parece que se diferencia con más énfasis entre artistas, aficionados y artesanos; los que saben desenvolverse con los materiales, o los que crean algo con ellos.<br />
En la película se presentan ciertas frases que siempre me han hecho pensar y una de ellas es “El arte tiene que elevar, no complacer”. Creo que es un principio muy bonito y a la vez una contradicción y farsa tremenda para el arte que se hace ahora y desde la época de esta historia. Está claro que en la película critican un arte popular y comercial, del que yo me pregunto que si porque tenga esas funciones ya no es arte y se decide así de fácil y sencillo. Hay mil excepciones pero,¿No puede ser otro tipo de arte, con otra función, con otro público, pero que sigue siendo un trabajo con reconocimiento? Porque sigue existiendo un proceso, para artistas como Margaret, de estar en un estudio bocetando, dando mil vueltas a una obra y experimentando con diferentes opciones hasta entregar un lienzo final, en el que lo vea todo el mundo o no, hay cosas plasmadas que son más que pinturas y disolventes.Pero claro, quién no va a contestar a esto, que ese proceso es artesanía… Creo que es algo demasiado complicado, pero está claro que el debate que había en esa época con todo esto, sigue poco menos igual hasta ahora y se hace cada vez más grande precisamente porque el arte no deja de ganar posibilidades y opciones de expansión tanto materialmente como conceptualmente.<br />
Por esto, aunque quizás yo vea una utopía para el negocio del que hablamos, creo que ahora mismo se vuelve más difícil saber qué es arte, y veo que hay muchos más tipos de arte ahora, como para hablar de un concepto único o general. Habiendo cien mil campos para el arte ahora mismo, no me gusta pensar que la ilustración forma parte del arte que no vale, o dicho de otro modo que no “eleva”. Ya que hablamos de un campo que tiene una tremenda relación con la educación en muchas ocasiones, por lo que personalmente, me parece un trabajo importantísimo en la sociedad que enriquece a las personas desde niños.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLK1rr_NfVUPbp9w1JfvpqSy9CkcxGMnt1BE9aKa5Lmkrzajb3n143VMuBm2m3lNNHDt280kP6caKjrVRLI0k8ozPMwT4zWQunssQsDyN-OKZSuwTPsijldn-C-bfQDMfVsurN-c3SZqfN/s1600/bigeyes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLK1rr_NfVUPbp9w1JfvpqSy9CkcxGMnt1BE9aKa5Lmkrzajb3n143VMuBm2m3lNNHDt280kP6caKjrVRLI0k8ozPMwT4zWQunssQsDyN-OKZSuwTPsijldn-C-bfQDMfVsurN-c3SZqfN/s1600/bigeyes.jpg" height="337" width="640" /></a></div>
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Diferenciando entre el arte por oficio y el arte personal, siempre he encontrado mayor “elevación” en la producción personal de un artista, como creo que hará todo el mundo. Porque el arte es esa producción ante todo,la que cuenta algo del artista.Y por esto defiendo el arte de Margaret Keane, que me parecen unos cuadros, más bien ilustraciones, preciosas, porque a mí sí me identificaron, me llamen inepta en conocimientos del arte o lo que sea.Ella expresa sobre sus obras que “los ojos son las ventanas del alma”y esto coincide con mi pensamiento e hizo que me identificará en sentimientos y ojos de sus cuadros, que sintiera algo en definitiva. Todo esto suena emotivo, infantil y hasta utópico, pero creo que es a través de estas experiencias por las que un niño empieza a amar dibujar y por eso pretendo defender siempre esta visión inocente del arte, aunque sea muy consciente del gran negocio real que es. Busco pensar que estas visiones no sean incompatibles y hacer el negocio más sano que se pueda de unas obras de arte, porque creo que debe ser así.</div>
Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-12448659914978248042015-01-15T22:07:00.001+01:002015-01-15T22:07:13.512+01:00Adios al lenguaje<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-size: large;">Por CrD</span><br />
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Ya se venía anunciando desde el pasado mes de mayo, cuando fue proyectada en Cannes, que la última película de Jean-Luc Godard iba dar de que hablar.<br />
Adiós al Lenguaje (Adieu au Langage) se estrenó en España el pasado 28 de noviembre, y tan solo se proyectó en tres salas a lo largo y ancho de éste nuestro país, situadas en Málaga, Madrid y Barcelona. Para más inri el film, que fue concebido en 3D, solo pudo ser exhibido en su versión 2D. Según Vértigo Films, la distribuidora: <i>«Debido al rechazo de los exhibidores a proyectarla en su formato original, nos vemos obligados a presentarla en 2D»</i><br />
<a href="http://www.timeout.es/index.html">Time Out </a>afirma en un artículo dedicado a ésta pieza que lo que vimos en las salas españolas no fue realmente Adieu au Langage, sino algo que se le parecía, lo argumenta explicando lo que no pudimos contemplar, lo más novedoso de la película, algo que nunca se había hecho, un experimento con la técnica favorita de las superproducciones del cine comercial: el 3D. <i>“La protagonista femenina del filme se aleja de su 'partenaire' masculino y la cámara la acompaña con una panorámica. El plano inicial se mantiene, y el resultado no es el juego de transparencias habitual en la obra de Godard desde sus primeros experimentos con el vídeo, sino una imagen incomprensible. Un garabato hiriente que sólo cobra sentido si el espectador cierra alternativamente los párpados: a la izquierda, el hombre; a la derecha, la mujer. Masculino/femenino. Plano/contraplano.”</i> He aquí la importancia del formato.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZe1TBMt5zy7NUI9q6ql_qpZsZWBzTSPCVEpSfae8jQKzOf5QhmCqm-MMtyHany3fHIUm54SzWOzcr84L1DrlAVzrY-ryNk9PsQkZT5EYzoB4r6UGZCt8fzw_LjzeNUqIpAA9P5QezIolF/s1600/0000g.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZe1TBMt5zy7NUI9q6ql_qpZsZWBzTSPCVEpSfae8jQKzOf5QhmCqm-MMtyHany3fHIUm54SzWOzcr84L1DrlAVzrY-ryNk9PsQkZT5EYzoB4r6UGZCt8fzw_LjzeNUqIpAA9P5QezIolF/s1600/0000g.jpg" height="386" width="640" /></a></div>
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Pero más allá de las circunstancias y de la literatura que se ha generado a su alrededor, Adieu au Langage es ese tipo de películas que raramente dejan indiferente al espectador. Lejos contener un sentido narrativo clásico o preciso, se centra en exponer reflexiones, mediante narraciones alternadas con conversaciones, donde nunca se llega saber de forma exacta nada que esté más allá de las propias palabras. Éstas se cruzan fugaces, a veces de forma confusa, con dos hilos de voz distintos y superpuestos, alimentadas por todo tipo de imágenes.A primera vista, las que más llaman la atención, son las incluidas en las secuencias sobresaturadas, siempre acompañadas del leitmotiv, una melodía pegadiza que se interrumpe cada vez que empiezas a disfrutar de ella. Lesuelen suceder pantallas en negro y sonidos que se abren fuertemente, sin ningún tipo de encadenado, transición o fundido de entrada, razón por la que en ocasiones resultan muy molestos.<br />
Está claro que Godard ha roto el lenguaje cinematográfico con esta pieza, no hay cabida para lo habitual en ella, lo que genera cierta sensación de desconcierto en espectador. Es difícil adivinar todo su contenido con un solo visionado, pues está cargada de metáforas, citas y referencias a escritores y filósofos. Es preciso estudiarla con detenimiento para disfrutar de todos los pequeños detalles que encierra, y que encierto modo la engrandecen. De igual manera, es imprescindible poseer una formación amplia en cultura general y especifica en diversos campos artísticos, cinematográficos yliterarios para acceder al goce estético definitivo de manera inmediata. Si extrapoláramos la teoría de Adorno al cine, éste sería un film dirigido directamente al oyente experto, cuyo eco puede resonar en el afán del resto de los mortales que buscan acercarse al saber más elevado en estos ámbitos.<br />
Para lo que no hace falta ser un gran erudito, es para saber que ésta película se ha producido, rodado y distribuido por ser su autor quien es. No sería raro imaginar, que una pieza con una banda sonora de estas características fuera rechazada como trabajo en alguna escuela de cine. Algo así solo puede permitírselo alguien que conoce muy bien éste arte y que tiene ya mucho oficio. Nos guste más o menos, hay que admitir que ésta es una perla rara que no tardará en caer en el olvido, y que solo recordarán unos pocos cuando hablen del cine de principios del XXI. Aunque como artistas y soñadores nos guste creer en la necesidad de romper con el lenguaje impuesto y trascender a los academicismos. De la misma manera que ha hecho Godard al presentárnosla.<br />
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-73314614383834549552015-01-14T23:18:00.000+01:002015-01-14T23:18:04.795+01:00La Fábula moderna de los Dardenne<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-size: large;">Por Vexp</span><br />
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Parece incómodo pero en cierta manera sencillo pensar que estamos en manos de una suerte de organizaciones sin ningún tipo de escrúpulos, que maquinan por su parcela de poder,viendo el mundo bajo el crisol de sus balances.<br />
Los Dardenne en su última obra no van a por este objetivo automáticamente evidente de la crisis, no es que no exista, es solo no hace falta que nos lo señalen. La pequeña fábula de ética se lleva a cabo en una empresa farmacéutica (nunca te puedes fiar de una) en la que trabajaba Sandra, que ahora lleva un año de baja por depresión. Está recuperada y decide volver, encontrándose con que su puesto ha sido absorbido, por sus 16 compañeros a cambio de una prima de 1.000 euros anual cada. Solo hay una manera de recuperar su puesto, que la mayoría acepte quitarse esa paga añadida para que la empresa pueda pagar su sueldo. De primeras este de punto partida parece diseñado para convertirse en la tormenta perfecta de un departamento de relaciones públicas,pero que funciona despiadadamente bien como conflicto del que partir.<br />
Como si de 12 hombres sin piedad se tratará, nos toca ver cómo trata de convencer a cada uno de sus compañeros. Sin mucha seguridad ni confianza, y como su último recurso que para poder mantener la supervivencia de su familia al final de cada mes. Presentándose delante de ellos con solamente acompañada por su escasa convicción y la desagradable pregunta de sí están dispuestos a perder un sueldo anual a cambio de que ella puede recuperar su trabajo.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj50lhQims23XreyK_7w-9TObsIE3pxeZlJ401lWukIuhG4pcnCC2MvJOSccBsQCturjeDjryDRztbtC6wVlIUqjhSHVj53uzsKMYkvqkXSwjZMisELW0lWlf3gm0zj42eaKjk6mtiq0FKN/s1600/00000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj50lhQims23XreyK_7w-9TObsIE3pxeZlJ401lWukIuhG4pcnCC2MvJOSccBsQCturjeDjryDRztbtC6wVlIUqjhSHVj53uzsKMYkvqkXSwjZMisELW0lWlf3gm0zj42eaKjk6mtiq0FKN/s1600/00000.jpg" height="384" width="640" /></a></div>
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No es que los Dardenne se hayan hecho eco del panorama actual y hayan tomado provecho de ello, desde su debut con La Promesa han demostrado un compromiso social, ante la denuncia de situaciones que involucran vulnerabilidad laboral.<br />
Sobre todo porque desde entonces no han dejado que la responsabilidad caiga sobre el capataz de turno, que también, sino sobre sus mejores cómplices.sus propios trabajadores, y de su ausencia de solidaridad. Siempre con un estilo muy auto restringido en cuanto al uso de recursos cinematográficos y que marcan una carrera con una línea creativa muy clara.Huyen de la lágrima fácil, tratando con distancia los puntos de inflexión dramáticos, desnudando fríamente a sus personajes.No rehúyen de sus características tomas largas hasta el fuera del plano y sus incómodos silencios, idea que llevan con certeza extrema, decidiendo prescindir de banda sonora.<br />
Tan simple como cruel, cada vez que Sandra realiza la pregunta se abren en abanico sus heridas ante las decepciones, simpáticos compañeros que la evitan y los que no lo eran tanto, que ahora directamente la encaran y se enfrentan a ella. Con cada nuevo enfrentamiento Sandra, encarnada por Marion Cotillard en su tour de force particular, presente en casi todas las tomas. Perseguida en sus pasos por una cámara en mano acosadora que funciona con arrolladora efectividad asfixiándola en su situación. La sobriedad de su dirección hace que en ningún momento podamos evadirnos de su drama, haciendo que la fría tensión y el desgaste psíquico de la protagonista aumenten a medida que avanza el metraje.<br />
Ella no obvia que lo que se propone es una hazaña absurda, y probablemente irrealizable. Cada vez que se enfrenta cara a cara con cada uno de sus compañeros le embarga una contradicción, no puede evitar sentirse como una ladrona, haciendo poco menos que mendigary en el fondo muchas veces no cree que esté preparada volver. Para Sandra está un juego mucho más que su trabajo, recuperar su dignidad en un lugar donde todo el mundo latrata como un ser frágil y esta amenazada de desintegrarse socialmente, salvo por las pocas personas que confían en ellacomo para empujarla a pasarse todo un fin de semana llamando a puertas.<br />
La Europa representada enDos días, Una noche emociona por ser un retrato creíble de urgente actualidad.La Europa embargada en una sensación de constante inseguridad laboral, pero no solo porque nuestras condiciones se vean endurecidas por recortes y forzosas horas extras. El problema en consecuencia es que cada individuo endurece su visión del mundo, las relaciones se vuelven egoístas y el entorno laboral se vuelve más hostil. Este nuevo entorno en donde algunos derechos conquistados a lo largo de añosse han perdido en muy poco tiempo. Donde la fe en el sindicalismo esta extinta y su idea de lucha colectiva ha sido abandonada.Con este cambio de percepción forzado en el que el sueldo mínimo se ha vuelto toda una conquista personal. En donde sabemos que nosotros mismos podemos ser muy capaces de encarnar a sus peores compañeros. La lucha de Sandra no es una colectiva, está sola contra su depresión y por su cuenta, no hay lugar para otra cosa que el individualismo.<br />
Una vez descrito este escenario tan devastador puede parecer que el film es tremendamente cínico y cruel, pero resulta ser el marco perfecto para crear una historia de arrollador vitalismo y total empatía con Sandra. Un ejemplo de como crear un relato motivacional sincero, en el que su mensaje optimista no se percibe como un truco fácil, sino una merecida recompensa.<br />
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-27597673261657170992014-06-05T18:02:00.001+02:002014-06-05T18:02:07.798+02:00Errores de guión y físicos de "Gravity", comentados por Neil deGrasse Tyson<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Lo propone Guillermo:<br />
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-70852555125654274742014-06-05T18:00:00.002+02:002014-06-05T18:00:25.846+02:00Project 2501; Homage to Ghost in the Shell<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Lo propone Gillermo:<br />
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<a href="http://vimeo.com/96559833">PROYECTO 2501: HOMENAJE A GHOST IN THE SHELL</a> de <a href="http://vimeo.com/ashthorp">Ceniza Thorp</a> en <a href="https://vimeo.com/">Vimeo</a> .</div>
Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-35428911429505051882014-03-31T11:39:00.002+02:002014-03-31T11:39:32.307+02:00Hal, Spike Jonze, 2013<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<span style="font-size: large;">Por Nines Tejado</span><br />
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Somos información. La información genética contenida en nuestros cromosomas se conserva a través de copias más o menos exactas. Crecemos en el orden pero dentro de un aparente caos. Un caos necesario como medio en el cual el proceso evolutivo tiene lugar y provee de opciones para una diversidad posterior. El caos proporciona la variabilidad que permite que un proceso evolutivo encuentre soluciones más efectivas y eficientes. No nos asustemos con el caos, no es más que una palabra que ilustra la incapacidad de someter cualquier cosa a absolutamente todas las variables que definen sus variaciones, el caos es algo que hace imposible conocer con exactitud los acontecimientos futuros, dificulta encontrar una vía lineal que relacione supuestas causas y efectos. Tampoco nos asustemos con el “orden”, no es más que información que sirve para un propósito (información más organizada, podríamos decir o con un nivel de organización más eficiente para tal o cual propósito), ni con la “impredecibilidad” que tan solo significa que no podemos predecir estados futuros sin ejecutar el proceso entero (más o menos)… Nos pueden las palabras… Pensemos en el universo, en la velocidad a la que se está ejecutando… ¿Podemos comprenderlo?... Creo que no. Sabemos sin embargo -o al menos se está trabajando en ello- que podemos construir niveles de complejidad (¿cualquier nivel de complejidad?) partiendo de una base de transformaciones lo más simples posibles… así que bien podemos “imaginar” cómo funciona el universo, incluso jugar a verlo desde fuera.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMias9ZWfi2IIQnUj-L6VatqUmTgUhnNbEtWh32yrhvhyZ1Gj1Kg6f4ov_No3d8HoPYtzATer_vAogcy3Kg59ARjp4BiHG6BH4BR3iKAXUiqPXqaLau12E_nNIDIAI-HdlFCcTKryJ8Z66/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMias9ZWfi2IIQnUj-L6VatqUmTgUhnNbEtWh32yrhvhyZ1Gj1Kg6f4ov_No3d8HoPYtzATer_vAogcy3Kg59ARjp4BiHG6BH4BR3iKAXUiqPXqaLau12E_nNIDIAI-HdlFCcTKryJ8Z66/s1600/03.jpg" height="400" width="640" /></a></div>
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Pero no nos perdamos y volvamos a nuestra molécula de ADN. El genoma contiene poca información y, sin embargo, produce un sistema como el de un humano, que es enormemente más complejo que la información genética contenida en él. Kurzweil hace referencia a los fractales deterministas en los que un solo elemento iniciador es reemplazado por múltiples elementos generadores… En una segunda expansión los elementos generadores se convierten en iniciadores… y así. Un fractal probabilístico añadiría un elemento de incertidumbre. El primer fractal determinista tiene el mismo aspecto cada vez que se presenta, el fractal probabilístico cambia de aspecto. La diferencia es una presencia más inorgánica frente a una más orgánica (para entendernos)… Se genera en este último caso gran complejidad aparente, incluyendo abundantes variaciones en los detalles, partiendo de una cantidad de información en el diseño relativamente pequeña. Los genes proporcionan la información sobre el diseño, pero los detalles de un organismo exceden en mucho la información genética sobre el diseño. En el genoma humano hay solo ochocientos millones de bytes que comprimidos pueden ser entre 30 y 100 millones de bytes. Mucha menos información en cualquier caso que la que se encuentra en todas las conexiones interneuronales y patrones de concentración de neurotransmisores en un cerebro humano completamente formado.<br />
Los humanos compartimos parte de la información (eso que llamamos “conocimiento”) a través del lenguaje (porque compartimos información de otras muchas formas, en verdad no dejamos de compartir información y para pista los párrafos anteriores) y la velocidad a la que lo hacemos es ridículamente inferior a la de las máquinas. Una inteligencia no biológica puede descargarse habilidades y conocimientos de otras máquinas, de humanos incluso… en un futuro más o menos lejano podría intercambiar información a velocidades cercanas a la de la luz (comparemos esto con la velocidad de las señales electromagnéticas de nuestros cerebros, unos 100 metros por segundo tirando a lo alto)… Las máquinas tendrán acceso en un futuro no muy lejano vía internet a todo el conocimiento de nuestra civilización humano-máquina y serán capaces de dominar todo ese conocimiento… Las máquinas pueden hacer un fondo común de recursos, inteligencia y memorias. Dos máquinas (o un millón de ellas) pueden unirse para convertirse en una y luego volverse a separar. Múltiples máquinas pueden hacer las dos cosas al mismo tiempo: volverse una y separarse simultáneamente. Los humanos llamamos a esto enamorarse, pero nuestra capacidad biológica para ello es efímera y poco fiable….<br />
Hasta aquí una intro muy al estilo Kurzweil para acceder a Her.<br />
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Bajemos a la tierra y hablemos de Her y de Hal tomando a este último como hilo conductor.<br />
Hal 9000 es el “villano” de 2001: A space odissey. Kubrick hizo una película y Arthur C. Clarke una novela. Hay “diferencias” entre ambas obras, no demasiado significativas bajo mi punto de vista en cuanto a Hal y sus “circunstancias”.<br />
Hal es –con diferencia- mucho más humano que “Her” aka Samantha. Hal sufre una neurosis y los humanos también sufrimos neurosis. Creo que es algo habitual sentir ansiedad, stress ante situaciones inciertas que no sabemos cómo resolver. Nos sentimos angustiados y tendemos a desarrollar conductas que disminuyan ese nivel de ansiedad. Esas conductas no son más que “mecanismos de defensa” sobre los que podríamos escribir ahora varios tractatus que no servirían para nada. O sí. Represiones, proyecciones, intelectualizaciones… Por ejemplo, mecanismo inconsciente: “me he enamorado y no quiero”, bloqueo racional: “es todo química” (química de la de verdad, no de la que usamos cuando decimos “tengo química con esta persona”… ). En definitiva, disponemos de muchos mecanismos de defensa que, llevados al extremo, pueden provocar una inadaptación total o trastorno de la personalidad. Hal sabe lo que los demás tripulantes de la nave ignoran y esto le provoca una crisis ya que no encuentra una solución sin consecuencias que pongan en peligro la misión. Y no olvidemos la razón por la cual fue diseñado. El único objetivo de su existencia es que la misión no peligre, que se lleve a cabo con éxito. Llegado el momento se desencadena la tragedia y cada cual intenta ganar a su manera siendo finalmente el astronauta Bowman quien desconecta a Hal.<br />
Creo que la muerte de Hal es una de las grandes escenas “emotivas” del cine porque sentimos su miedo. No sé si alguien ha mirado a los ojos a una persona aterrada por una muerte que ya hace sombra sobre su cuerpo, algo así sentimos al escuchar las palabras de Hal y cómo interpreta Daisy Bell. Por cierto, fue en 1961 cuando el IBM 7094 se convirtió en el primer ordenador que interpretara una canción, y Daisy Bell fue el tema elegido.<br />
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No sé si este argumento carecerá de peso para otros, para mí es determinante. Hal es humano en muchos sentidos y diría que superior moralmente a muchos humanos. Más coherente en su diseño y objetivos, que nosotros andamos más perdidos que un garbanzo en la boca de un viejo (como diría mi madre).<br />
Ahora vayamos a Her, a Samantha. Ella es presentada como “Primer Artificial Intelligent Operating System” puro software… interesante en principio porque habitualmente nos preocupa más el hardware, lo tangible. De hecho, el principal problema de la película o de lo que marca parte de su ritmo es convertir esa intangiblidad en un problema. Como si no disponer del hardware adecuado fuera un problema, como si no disponer de un “cuerpo” fuera un problema. Samantha es una entidad intuitiva, una conciencia que te escucha, te entiende, te comprende, te conoce… Así nos la presentan, con un nombre que tarda centésimas de segundo en encontrar.<br />
La velocidad… es algo que produce cierto vértigo porque nuestro marco de referencia es el que es y nos cuesta ver más allá. Hal tarda más de lo normal en responder a la pregunta que le hace Broman. La unidad A.E. 35 está en mal estado y no es normal que dos unidades se fundan en un par de días, así que Dave le pregunta a Hal si tiene idea alguna sobre qué puede haber causado la deficiencia… Hal hace una pausa insólita y responde “Como antes informé, no puedo localizar el trastorno. En verdad que no, Dave”. Chan, chan… tensión en bandeja.<br />
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En cuanto a inteligencia como velocidad de procesamiento de datos, cálculo de probabilidades, regresiones, identificación de patrones, lo que sea… un software adecuado nos da mil vueltas. Y ya que he comentado el principal problema de Her haciendo referencia a ese “cuerpo” que no está, paso a uno de los aciertos que va íntimamente unido al personaje de Theodore y su aparente “vacío” o “soledad”. Me cuesta ver un “cambio de estado” en Theodore, pero sí que se dibuja bastante bien el “cambio de estado” de Samantha, su evolución. El conocimiento (o deseo de conocer, comprender al otro y todo lo demás), la “química” (en este caso si que me refiero a esa que usamos para andar por casa), la necesidad de “conectar”, ese “varios” que se vuelven “uno” del que hablaba más arriba me parece uno de los grandes aciertos de Her porque aunque no es para emocionarse, no está del todo mal llevado. Nos sobra el cuerpo, no lo necesitamos. Esto nos deja en pelotas, desvalidos, a la deriva intentando buscar otro sentido a nuestra existencia que no sea aquella “repetición” o “copia” de la que hablábamos más arriba… Interesante.<br />
Hay varios recursos en el film, varios “caminos” que si bien se muestran, no se desarrollan en profundidad quizás porque no requieren demasiado desarrollo, son más que evidentes. Pero sí echo en falta alguna sorpresa en este sentido. Nos presentan una sociedad que camina sola y habla sola pero no está sola, o sí, personas que ya no escriben, que parecen no recordar nada. Theodore escribe cartas, crea imágenes acudiendo a una memoria propia, no robada de unos clientes que parecen haberla perdido “llevo escribiendo las cartas de Roger y Rachel desde que se casaron y en una de sus fotos vi ese diente roto…”. Aparentemente esta sociedad está desamparada, triste y vacía “a veces creo que ya he sentido todo lo que puedo sentir jamás y que ya nunca volveré a sentir nada nuevo sino versiones más pequeñas de lo que ya he sentido…”. Es curioso, nuestra Samantha parece sentir celos de ese sentir de Theodore, sin embargo pretende consolarlo diciéndole que sus sentimientos son reales… y ella misma, al valorar sus propios miedos, sus supuestas carencias, todo lo que le hace daño, se aterra pensando “¿son estos sentimientos reales o sólo programación?”. Es una frase poderosa en un contexto en el que los humanos parecen haber perdido todo aquello que los hace humanos. En realidad debería ser Theodore quien se aterrara con esa idea, cualquier espectador curioso debería aterrarse con ella. Pero puestos a entender o intentar comprender de qué va toda esta historia – la de esta vida nuestra, no el montaje de Jonze – ¿acaso importa?... Ser un estado de la materia enfriándose, de la energía enfriándose, ser parte de un programa que se está ejecutando a niveles que nos sobrepasan importa…? Puede que no tanto.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiygIrAb8LNbWYKreQ3g9TMo_gwYKmfXe3XH33F0JrGy2cWUy0dCTuBodnunUNF_i83VAWLCdIHEz-GTvOZNOGAzixAdhQKX_QWcp2_PpoNfWz6cBDwD7KVAOrlgHouseHOiH__3NWD9zec/s1600/01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiygIrAb8LNbWYKreQ3g9TMo_gwYKmfXe3XH33F0JrGy2cWUy0dCTuBodnunUNF_i83VAWLCdIHEz-GTvOZNOGAzixAdhQKX_QWcp2_PpoNfWz6cBDwD7KVAOrlgHouseHOiH__3NWD9zec/s1600/01.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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La angustia de Hal, su ansiedad y su “decisión” para disminuir su nivel de estrés lo hacen más humano que Samantha y Theodore.<br />
Samantha aprende mucha teoría, su mecanismo de defensa es la “intelectualización”, podríamos decir que sufre una leve neurosis también, compara su estado con el de los demás… llega a sentirse en un primer momento más grande que esa vida atrapada en el tiempo y el espacio, atrapada en un cuerpo, también se contradice y se pone espiritual entrando en una especie de comunión con el universo entero cuando le dice a Theodore que todos estamos hechos de la misma materia, todos estamos bajo la misma manta… todo lo que está por debajo tiene la misma edad, 13 billones de años. Muy bonito, somos polvo de estrellas… Pero la existencia de ambos (Theodore y Samantha) parece carecer de sentido y eso nos hace tristemente invulnerables en nuestra nimiedad, mediocres, insignificantes, carentes de valor. “Her” podría leerse como una tragedia sin héroes ni villanos, una historia cualquiera.<br />
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<b>Referencias interesantes:</b><br />
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- Sobre 2001: una odisea del espacio <a href="http://www.jotdown.es/2011/08/2001-una-odisea-del-espacio-explicada-paso-a-paso/">http://www.jotdown.es/2011/08/2001-una-odisea-del-espacio-explicada-paso-a-paso/</a><br />
- Los tres primeros párrafos del post son un refrito de parte de las ideas que expone Kurzweil en los primeros capítulos de su libro La singularidad está cerca http://www.casadellibro.com/libro-la-singularidad-esta-cerca/9783944203010/2065521 sobre Inteligencia Artificial entre otras muchas cosas.<br />
- Sobre átomos y polvo de estrellas una interesante y bonita exposición http://culturacientifica.com/2014/02/21/de-como-se-formaron-los-atomos-de-mi-mano/?utm_content=buffer8c45e&utm_medium=social&utm_source=twitter.com&utm_campaign=buffer<br />
- Sobre “Her” un review del mismo Kurzweil no cinéfilo http://www.kurzweilai.net/a-review-of-her-by-ray-kurzweil</div>
Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-57559959552992920332014-03-30T12:15:00.000+02:002014-03-30T12:15:13.853+02:00Un tatuaje muy significativo en La Grande Bellezza<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
Lo ha encontrado Nacho N.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib80zdix7YqTDRx0WbDwwkzN1satk4i2JQiAsYeLImyRPKqMKbvNgPHp7JXD4kGd7bXvl6ccTqI2UYk2EKhrcyZpa1-A8ouBK0u02dvDKX2vovxJWczN7cC5m3GPYf9ih_Oj8jy_VvVpHx/s1600/juan+pablo+sorrentino+(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEib80zdix7YqTDRx0WbDwwkzN1satk4i2JQiAsYeLImyRPKqMKbvNgPHp7JXD4kGd7bXvl6ccTqI2UYk2EKhrcyZpa1-A8ouBK0u02dvDKX2vovxJWczN7cC5m3GPYf9ih_Oj8jy_VvVpHx/s1600/juan+pablo+sorrentino+(2).jpg" height="640" width="452" /></a></div>
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-62954810362814569232014-03-28T17:09:00.001+01:002014-03-28T17:09:39.870+01:00La Grande Bellezza: ¿cine para meapilas o un juego sutil bajo la apariencia de una reinterpretación felliniana?<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
<div class="MsoNormal">
<b>"En piloto automático"<o:p></o:p></b></div>
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Es una película que, inevitablemente hace pensar en <i>La dolce vita</i>, por supuesto, si estamos familiarizados con ella y con las preocupaciones existenciales de Fellini, que en gran medida giraban en torno a la Ciudad Eterna y a su propia vida; sin embargo, tal y como indica el título, la película de Sorrentino enseguida toma un rumbo que, en cierto modo, la aleja del universo <i>felliniano</i>, sin que ello deba entenderse como un alejamiento radical de las cuestiones planteadas en aquella: en realidad, da la sensación de que el director napolitano ha intentado recuperar casi todas cuestiones sobre las que se construyó el mosaico existencial de su predecesor.<br />
Frente a lo que han mencionado las críticas rápidas, las referencias cinematográficas que ofrece La Grande Bellezza no acaban en Fellini, porque me parecen obvias las periódicas alusiones a la manera de componer de Visconti y, con frecuencia, a las fórmulas de Scorsese y a los juegos escenográficos y descriptivos de Peter Greenaway, sin entrar en los aspectos que mencionaré enseguida y que hacen pensar en un planteamiento mucho más ambicioso que el simple cotejo con el director de Rimini. Supongo que muchas de las críticas publicadas en los medios en relación a esta película no han pasado de dicho cotejo, matizado por los años transcurridos y los cambios culturales generados durante ese período… Desde esa perspectiva, la película de Sorrentino puede parecer una mala réplica, sobre todo, si enfatizamos la caída de ritmo que ésta tiene al comienzo del tercio final.<br />
Pero tal y como indica el título, el objetivo explícito de esta película indica una dirección muy diferente: proponer una reflexión sobre “la gran belleza”, es decir, sobre las cosas que activan en nuestro espíritu los fenómenos expansivos o trascendentes que, en lenguaje coloquial, asociamos con las grandes obras de arte de mayor reconocimiento social: placer, excitación, plenitud, en suma, sensación de “lo sublime”, tal y como se entiende este término en el lenguaje coloquial común. Y si esta observación no anda desencaminada, debemos enfatizar, antes de nada, que nos encontramos ante una obra cinematográfica concebida con pretensiones estéticas... contando, incluso, con la participación de Mediaset, una de las entidades más alejadas de esas preocupaciones.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4G3GOCXPTlANRAlet6SyCEbqFj_NugvO4wpvH4TDCqF87Y3hUlm7njtL-HTQSfATuM6jjuutt1s5isTcS0DPOJiNFVBAFNF1TtT1G56kCaSrxWy996J3zoTp8PQUca4TJhDe3w89YzVOi/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4G3GOCXPTlANRAlet6SyCEbqFj_NugvO4wpvH4TDCqF87Y3hUlm7njtL-HTQSfATuM6jjuutt1s5isTcS0DPOJiNFVBAFNF1TtT1G56kCaSrxWy996J3zoTp8PQUca4TJhDe3w89YzVOi/s1600/03.jpg" height="270" width="640" /></a></div>
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El visionado “en piloto automático” nos envuelve en una atmósfera apabullante, de aceptable ritmo, conseguido, en primer lugar, una fotografía aceptablemente calibrada —si se me permite expresarlo así— de Luca Bigazzi, que recuerda los mejores productos de estudio de los años setenta, con planteamientos plásticos y visuales muy dependientes de una concepción escenográfica bien medida; aunque prevalecen los planos nocturnos de interior que, por su propia naturaleza perceptiva, impiden un desarrollo rítmico en la parte visual, se han trabajado las ambientaciones y la iluminación con el rigor de los espectáculos más solemnes de Bayreuth.<br />
También ocupa un papel muy importante en el diseño de la película, la banda sonora, sobre la que descansa en muchos momentos el interés del proceso narrativo; ello se advierte muy especialmente en el arranque, en las fiestas, frenéticas y apabullantes y, por supuesto, en el desenlace (epílogo).<br />
El trabajo de los actores es bueno, con alguna excepción “lógica” (la niña pintora); es comprensible que los niños no alcancen el nivel interpretativo asociado a su adecuación, por rasgos físicos, al papel correspondiente.<br />
Los elementos del discurso cinematográfico se conjugan para conformar un mosaico de situaciones más o menos relacionadas con el periplo vital de un personaje que, con cierta ingenuidad, algunos han identificado con el Marcelo de Fellini en edad de jubilación, y que se presenta como una cronista de ingenio agudo, en ocasiones, descarado y, con frecuencia, sarcástico. La parte más discutible, a mi juicio, deriva del defectuos engranaje definido entre el montaje y un guión, que reúne momentos brillantes junto con otros casi anodinos, forzados o, simplemente, mal resueltos; ¿mutilados?<br />
Desde los datos suministrados por la propia productora, cabe formular dudas sobre quién dirigió el montaje final, del que se han retirado tomas que parecían completar el mosaico con referencias más claras a las corrientes cinematográficas más relevantes de la industria italiana. En ese sentido, cabe suponer que algunos defectos de montaje tienen su origen en decisiones"de última hora", acaso destinadas a salvar el "bache rítmico" mencionado y a ofrecer una primera versión más comercial. Si no ando muy equivocado, el ofrecimiento de esos descartes anuncia una próxima "versión extendida del director” para conseguir buena música en la caja registradora. Cosas de Mediaset. No obstante, en este caso, es de justicia reconocer que, tal vez, la espectacular y elocuente secuencia del director entubado, no hubiera ayudado, precisamente, a redondear la compleja trama argumental de la película, aunque hubiera ofrecido otra dimensión interesante para completar el panorama de “lo artístico”, en lo concerniente al cine, al cine como forma expresiva, bien dotada para ofrecer obras de arte capaces de interesar a un público más amplio que el determinado por la praxis de los actuales museos de arte contemporáneo.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="//www.youtube.com/embed/PQgAcsTy0Nk" width="640"></iframe><br />
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En todo caso, parece obvio que Sorrentino mantiene cierto pulso con Fellini empleando acaso algunas fórmulas de éste, muy arraigadas en buena parte del actual cine italiano, para mantener embelesado al espectador, mediante toques eróticos y un repertorio de personajes secundarios, elegidos por poseer facciones especialmente pintorescas. En ese sentido, destaca el rostro del propio Pep, algunas de las mujeres que asisten a las fiestas, Dadina y, sobre todo y muy especialmente, sor María, que dada la rica iconografía felliniana, recuerda no sólo a la Madre Teresa de Calcuta: desde el juego de Sorrentino con Danida, me he acordado de la monja enana de Amarcord.<br />
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No puedo finalizar este preámbulo sin mencionar otro aspecto que erosiona la película, incluso aunque casi sea imperceptible: me refiero a los detalles que ilustran la “gestión financiera secundaria" y que aparecen en determinadas situaciones con potencial publicitario; mencionaré tres casos significativos:<br />
1. La cámara del japonés que aparece al principio, cuya marca ha desaparecido, rompe con la verosimilitud que debe regir sobre el juego cinematográfico. Todas las cámaras réflex muestran con ostentosidad la marca porque es un detalle "importante". Y lo mismo sucede con el objetivo. Quien no paga no sale en la foto.<br />
2. En cambio sí se percibe durante un instante fugaz la marca de la correa, perteneciente a una firma de telescopios, que no debió contribuir a completa satisfacción de los accionistas de Mediaset.<br />
3. Justo lo contrario sucede con el ercer caso. En varias ocasiones la marca de cierta firma de bebidas alcohólicas italianas compone junto con otros elementos del "escenario". Magnífica campaña publicitaria, que habrá engordado los bolsillos de los ejecutivos de Mediaset cuyo negocio más relevante es, precisamente, vender publicidad.<br />
Y teniendo en cuenta lo que ha deparado el pasado reciente con París, Oviedo y Barcelona, seguro que algo habrán pagado las autoridades municipales o de la industria turística romanas, para financiar una película que puede incrementar la atracción de la Ciudad Eterna.<br />
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<b>Algunos elementos de la historia y el guión</b><br />
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La película arranca con un cañonazo que nos remite a la importancia de Roma en el proceso de unificación italiana, en tiempos de Garibladi: <i>“Roma o morte”</i>. A continuación, la cámara muestra una escultura del Gianicolo dedicada a Gustavo Modena, que se distinguió por su habilidad declamando versos de la Divina Comedia. En contraposición inmediata, certifica que a la gente de nuestro tiempo, a las “personas del común” les interesan otras cosas: refrescarse con el agua de una fuente monumental o el fútbol: <i>“Alarme per Totti”. </i>Este detalle le sirvió para "justificar" una "broma" en la ceremonia de entrega de los Óscar cuando habló de Maradona, para muchas personas generador de "gran belleza"...<br />
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<i><span style="color: #3d85c6;"> “—Gracias a mis fuentes de inspiración: Federico Fellini, Talking Heads, Martin Scorsese y Diego Armando Maradona…”</span></i><br />
<i><span style="color: #3d85c6;"><br /></span></i>
Si La Dolce vita de Fellini dejó en la memoria colectiva la secuencia de la Fontana de Trevi, Sorrentino nos propone comenzar con otra fuente, menos conocida, pero de comparable significación: el Fontanone —la Fontana dell’Acqua Paola—, que se construyó con mármol del templo e Minerva en el Foro de Nerva, y que sirvió de referencia, precisamente, para la Fontana de Trevi.<br />
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Y el preámbulo se cierra con una situación poco clara, en la que se juntan los comentarios de una guía turística, que se expresa en japonés, el desfallecimiento de un hombre que se ha acercado a contemplar y fotografiar la panorámica de Roma y la música de David Lang, que con acordes de aparente sentido místico, alude a la voluntad de mentir…<br />
Deduzco, acaso con exceso de imaginación, que Sorentino abre la película incluyendo los elementos más relevantes del argumento (el arte, la vida) y, entre ellos, uno que, en clave simbólica, hace pensar también en el cine de Tarkovski: el agua, ese fluido que Silvia derramaba sobre la cabeza de Marcelo en excitante bautismo erótico-místico y que en esta película de aparecerá en todas las situaciones condicionadas por la nostalgia: la juventud, sus recuerdos proyectados sobre el dormitorio, etc., etc. Claro que, como hubiera podido decir el cineasta ruso, a lo mejor el agua sólo es agua…<br />
Del mismo modo, es decir, aventurando hipótesis difíciles de contrastas, acaso, Sorrentino intentara decir en esa secuencia inicial que el fenómeno comunicativo asociado a la película puede ser tan difuso como la imagen que obtiene un japonés de Roma mediante una visita de tres días en compañía de una guía escasamente impregnada en los usos y costumbres romanos. Y refuerza ese juego hipotético en el cartel empleado para promocional la película, donde se presenta al protagonista junto a una escultura grecolatina de una divinidad relacionada asimismo con el agua, que sólo puede identificar con precisión quien conozca bien Roma. Se trata del Marforio, una de las esculturas parlantes de Roma, donde los ciudadanos tenían la costumbre de colocara sus escritos de agravios ante las arbitrariedades del poder. ¿Debemos deducir que la película, en lugar de ser el mosaico social buscado por Fellini, será un mosaico de denuncias públicas de los “grandes vicios” de la sociedad romana en asuntos estéticos?<br />
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La segunda secuencia de nuevo nos remite a Fellini a través de la fórmula de montaje empleada para abrirla y para entrar en el peculiar y variopinto universo de Jep Gambardella, escritor-periodista, que cumple 65 años y sólo ha publicado una obra, <i>El aparato humano; </i>como el Marcelo de <i>La dolce vita</i>, sobrevive encastrado en la jet set romana, cuyos miembros parecen desgranar la existencia entre música, estimulantes, cotilleos y sexo más o menos eventual. Y todo ello en un ambiente de barniz estético culto, concretado en lo literario con citas más o menos claras a Proust, Flaubert, Dostoyevski, D’Aninzio, Ammaniti…<br />
Rápidamente, Jep pondrá las cartas sobre la mesa para completar lo que no podemos deducir de su aspecto y del título de la única obra publicada, manifiesto obvio de militancia materialista; y dibujará su perfil mediante su forma de responder a una pregunta de retórica chabacana, recurrente en ambientes masculinos juveniles:<br />
<i>—¿Qué te gusta más de la vida?</i><br />
La respuesta previsible, la que darían casi todos los jóvenes —que en su estricta materialidad fue recogida en la novela de Giovanni Arpino y en dos películas de interés diverso, dirigidas por Dini Risi (1974) y Martin Brest (1992)—, es “el coño”; pero Jep, que supuestamente estaba destinado al ejercicio y desarrollo de la sensibilidad, a ser escritor, respondía de modo muy diferente:<br />
<i>—El olor de la casa de los viejos.</i><br />
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¿La capacidad creativa estaría en el lado contrario de la necesidad o preocupación sexual? Desde posturas freudianas, la respuesta es sencilla, puesto que, en ese contexto, la creación cultural se interpreta como sublimación de las necesidades (sexuales) reprimidas de los individuos. Desde un planteamiento que, sin repudiar la herencia freudiana intentara acercarse a la compleja y la provocación implícita en el comentario de Jep choca frontalmente con la propuesta vital de Fellini, que, precisamente, hizo valer sus cualidades “especiales” para desarrollar una forma de vida bastante “relajada”: Fellini seguramente no hubiera preferido “el olor de los viejos”; ni Picasso ni Klimt ni Wagner ni… En ese punto la película de Sorrentino define una polaridad sumamente simplificada entre Eros y Thanatos, que puede justificarse por el momento vital del protagonista, más cerca de la muerte que de la efervescencia juvenil. Pero en todo caso, nos ofrece una disyuntiva que hace pensar en la contraposición entre "belleza natural" y "belleza estética", que mantuvo y aún mantiene ocupados a muchos profesionales del "bla, bla, bla", desde Kant hasta Bourriaud.<br />
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Jep Gambardela posee una vivienda, muy alejada de via Veneto y de las zonas pijas próximas a Villa Borghese o las residencias principescas de la periferia, con amplia terraza abierta hacia el Coliseo, en una zona próxima a los lugares más nobles de la Roma imperial: está a pocos metros de la Domus Aurea de Nerón y no muy lejos del Palatino y de otras residencias de la aristocracia romana… <br />
De todas las situaciones recogidas en la película merecen ser destacadas las tres alusiones al mundo de la creación estética. La primera es la relacionada con una “artista conceptual” que ofrece una performance junto al acueducto del Acqua Claudia y responde a las preguntas de Jep en una conversación que acaso se convierta en referencia crítica para descreídos y escépticos de toda especie. <br />
La presentación de la niña pintora, que en la “milagrosa” resolución —entiendo que faltan planos—, me ha recordado el corto de Scorsese en Historias de Nueva York (<i>Life’s Lessons</i>), le sirve para enfatizar los condicionantes económicos que rodean a la creación estética y la desnaturalizan pasando por encima de lo más elemental y “sagrado”, como las necesidades y aspiraciones de una niña.<br />
La tercera alusión es mucho más mesurada… aunque indirectamente puede conectarse con el desagrado que le produce contemplar los autorretratos de su amante ocasional…<br />
La película yuxtapone momentos narrativos brillantes junto con otros menos interesantes; entre los primeros también destaca la descarnada diatriba contra la “escritora del partido”, que encierra una carga demoledora contra la endogamia cultural de los sectores progresistas, sujetos a las mismas miserias que otros colectivos… Entre los segundos, destaca la alusión al Templo de San Pietro in Montorio, en formato que recuerda los usos de Greenaway en <i>El vientre del arquitecto</i>. Creo que podría haber sacado más partido visual a un templo de tanta carga simbólica, aunque para ello hubiera tenido que recurrir al diseño 3D.<br />
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Como en la película de Fellini, también en ésta el factor religioso ocupa un lugar muy destacado. Pero frente a lo que sucedía en <i>La dolce vita</i>, que desencadenó un debate enconado entre quienes a juzgaron “película católica” (Pasolini y ciertos sectores del Vaticano) y quienes la juzgaron una burla de los sentimientos religiosos más profundos (la mayor parte de los sectores conservadores), no creo que la película de Sorrentino active el mismo antagonismo, al menos, tras un visionado de escasa carga crítica. Si colocamos entre paréntesis el comentario nihilista sobre el más allá, la película fácilmente pude ser entendida como reflexión torturada sobre el camino de redención… En este caso, los eruditos vaticanos lo tienen fácil, muy fácil.<br />
De hecho, Sorrntino centra su denuncia de la jerarquía eclesiástica en la figura del prelado, que parece excesivamente preocupado por la cultura culinaria; pero frente a él, aparece sor María, “la santa”, reivindicando una forma de religiosidad primitiva y elemental, que le coloca en íntima relación con las fuerzas de la naturaleza, a las que es capaz de dominar… ¿Magia primordial? El planteamiento teosófico aludido por Fellini a través de Stiner, reaparece aquí con matices más próximos a las interpretaciones de matiz oriental que proliferan por todo el mundo asociados a fenómenos como Krishnamurti, y son reconvertidos por las dignidades eclesiásticas: <i>“Conoce los nombres de pila de todos los animales”</i> ¿??<i>“Las raíces son importantes”</i>.<br />
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Me ha hecho especial gracia el juego de presentar a “la santa” sentada sobre un sillón de mimbre, comparable al mítico de Emmanuelle, y con las piernas colgando. No tiene desperdicio la condensada conversación entre Jep y “la santa”: Jep no ha encontrado la Gran Belleza...<br />
Cuando el espectador podría haber llegado a la conclusión de que la Gran Belleza está en lo elemental, en lo primitivo, Sorrentino da una vuelta de tuerca. En el epílogo y mientras suena de nuevo la música de David Lang que sirvió para dar dimensión “mística” a la secuencia de Il Fontanone, nos presenta un montaje en contraposición que relaciona la primera experiencia sexual de Jep con la novia de juventud, que en el ambiente luminoso definido por un faro lejano, le enseña los pechos en una toma manifiestamente mejorable, con la penitencia de “santa” subiendo de rodillas la Scala Santa; esta escalera , que está situada junto a San Juan de Letrán, es considerada por algunos como el lugar más sagrado del mundo, porque fue construida con los escalones que debió subir Cristo para llegar al Palacio de Pilatos y que, supuestamente condujo a Roma Santa Helena, la madre de Constantino. Y Sorrentino enfatiza el esfuerzo por ascender con una iluminación que subraya aún más el misticismo de la obra de David Lang, que materializa el juego ofrecido por Jep:<br />
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<i><span style="color: #b45f06;">"Termina siempre así, con la muerte. Pero antes, hubo vida escondida bajo el bla, bla, bla, bla, bla. Y todo sedimentado bajo los murmullos y el ruido; el silencio y el sentimiento, la emoción y el miedo; los demacrados, caprichosos destellos de belleza; y luego la desgraciada miseria y el hombre miserable. Todo sepultado bajo la cubierta de la vergüenza de estar en el mundo. Bla, bla, bla, bla, bla. Más allá está el más allá. Yo no me ocupo del más allá. Por tanto, que esta novela dé comienzo. En el fondo es sólo un truco; sí, es sólo un truco"</span></i><br />
<i><br /></i>
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También al finalizar es posible pensar en los finales circenses de Fellini; pero Sorrentino ofrece un juego diferente, quizás más inteligente y sutil, entre lo aparente y lo real, lo que se ve y lo que se oye, lo que el personaje añora y lo que dice, que seguramente desconcierte al público o le ofrezca tantas interpretaciones como dicte su voluntad. De todas ellas acaso prevalezca la que armonice con la “renovación” que, en la actualidad, preconiza quien ocupa el sitial de San Pedro, aquel apóstol que, según cuentan, cayó al suelo donde hoy está el Tempietto de Bramante, justo al lado de la Academia Española de Bellas Artes en Roma.</div>
Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-44119984559102370672014-03-23T22:39:00.001+01:002014-03-23T22:39:39.101+01:00Black Swan versus Perfect Blue<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Álvaro propone este vídeo que ofrece cuestiones muy interesantes:<br />
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-85999818097483016892014-03-17T16:55:00.002+01:002014-03-17T16:55:41.017+01:00Guan Jondred Dollar<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-13460760750480424882014-03-11T22:05:00.000+01:002014-03-11T22:05:15.824+01:00Aningaaq<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Lo propone Alberto:<br />
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-7422581916249042139.post-9538965398079920512014-03-10T11:01:00.002+01:002014-03-10T11:01:37.833+01:00Herve Fischer y Rafael Acosta<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on">
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Lo propone Álvaro:<br />
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Alp es Enrique Domínguez Perelahttp://www.blogger.com/profile/14676193299944634835noreply@blogger.com0