Música y cine.

Por Almudena M. Castro

Los griegos lo tenían claro: la música es un lenguaje universal. Tanto es así, que su estudio formaba parte de los saberes exactos, el quadrivium, junto con la geometría, la aritmética y la astronomía. No se consideraba un «saber humano», ya que su percepción y sus efectos no habían sido inventados por los hombres: eran universales, inmutables. Pensaban, además, que la música tenía un origen divino y ejercía poderosos efectos sobre el alma humana, al ser capaz de emular sus pasiones (ira, dulzura, templanza...). Por ello, el sistema de educación debía estar basado en la música, para educar el alma, y la gimnasia, para cultivar el cuerpo. No sólo eso: existían leyes que regulaban la música, indicando cómo se debía interpretar y en qué situaciones, pues se creía que podía modificar la conducta humana.
A estas alturas, pocos creen que la música tenga poderes mágicos. Y, sin embargo, existen pocas dudas sobre su capacidad de inducir determinados estados de ánimo. A nadie se le ocurre llevarse una marcha fúnebre para acompañar un picnic, o ambientar una historia de terror con la música de Benny Hill. Hay quien defiende que se trata de meras convenciones culturales, un lenguaje anquilosado por el paso de los siglos que, sólo por insistencia, interpretamos unívocamente. Sin embargo, basta con escuchar música tradicional indonesia o china: probablemente, en general, suene bastante "rara", pero no es difícil adivinar cuándo la canción habla de «lo bella que es la amada», y cuándo de «la muerte de la bella amada».
El cine es, sin duda, un ámbito en el que el poder «emotivo» de la música resulta especialmente útil. Un callejón oscuro, da miedo. Pero un callejón oscuro con ruiditos raros inidentificables, pone los pelos de punta a cualquiera. En esta entrada me propongo hablar de algunos de los recursos musicales que se pueden utilizar en pantalla.

El poder de la disonancia.



El vídeo es un desastre: está doblado por unos fans, pero no he encontrado el original.



Aquí se puede escuchar el audio sin imágenes, eso sí. En cualquier caso, sólo quiero utilizarlo como ejemplo, a partir de 0'30''. Los dos personajes cantan una misma frase: la misma letra, el mismo ritmo, el mismo contorno melódico. Sin embargo, la primera vez suena «Londres es el mejor sitio del mundo», y la segunda, «Londres es una pesadilla». ¿Cómo se consigue este efecto? Lo más evidente es que el compositor varía la instrumentación: la segunda vez introduce el viento metal, con un timbre más bien ruidoso, disarmónico (es difícil imaginar una nana interpretada por un trombón). Por otra parte, cambia la entonación: cada nota se vuelve cortante, brusca, incisiva. Además, baja la melodía a una voz más grave, restándole así jovialidad. Pero sobre todo cambia radicalmente la armonía, introduciendo disonancias por doquier. ¿Pero qué significa esto?
El desarrollo de la música occidental se ha caracterizado por el uso de varios sonidos a la vez. Estas combinaciones podían sonar bien (consonancia) o podían resultar desagradables (disonancias). Aunque el significado de estos términos haya variado a lo largo de la historia con el desarrollo del lenguaje musical, básicamente proceden de un fenómeno fisiológico: cuando dos sonidos tienen frecuencias muy parecidas y recaen dentro de lo que se conoce como «ancho de banda crítico», al oído le cuesta distinguirlos y se estresa. Este es el motivo de que un dúo desafinado pueda sonar tan mal o de que ciertas bandas sonoras, provoquen tanta inquietud.

http://www.youtube.com/watch?v=sScBFzae9cE

La música nos habla.

La disonancia explicaría por qué ciertas músicas nos resultan desagradables, pero no termina de responder a la pregunta de por qué la música nos emociona. Una de las tesis que se barajean es que la música, desde sus orígenes, trató de evocar la expresividad humana, sus movimientos, sus gestos. Así, del mismo modo que sabemos que una persona de movimientos rápidos y bruscos está nerviosa o enfadada, el volumen y el ritmo de la música pueden servir para generar tensión. Por el contrario, las barcarolas, las nanas y las marchas fúnebres, suelen tener ritmos sosegados, regulares, sin sobresaltos.
Por otra parte, las melodías entonadas en el rango de frecuencias de la voz humana, suelen identificarse con la propia voz, por lo que son la mejor herramienta para empatizar con el oyente. El método compositivo por excelencia del Romanticismo musical, fue la melodía acompañada y cabría argumentar que éste es el motivo: el compositor, desde su subjetividad, buscaba emocionar al oyente. La melodía funciona por ello como el narrador de la música, su componente más «figurativo». Cuesta encontrar grandes melodías en el cine, melodías memorables: precisamente porque en este ámbito, la música no tiene una función narrativa. A no ser, claro está, que cumpla un papel determinado, que tenga cierto protagonismo (películas como El pianista o La naranja mecánica) o que suene durante los títulos de crédito, sin distraer a nadie.